54 प्रसिद्ध कलाकारों द्वारा निर्मित पेंटिंग

अपने जीवनकाल में एक प्रसिद्ध कलाकार होना कोई गारंटी नहीं है कि अन्य कलाकार आपको याद रखेंगे। क्या आपने फ्रांसीसी चित्रकार अर्नेस्ट मीसोनियर के बारे में सुना है?

वह एडॉर्ड मानेट के साथ समकालीन थे और आलोचकों की प्रशंसा और बिक्री से संबंधित अधिक सफल कलाकार थे। विन्सेंट वैन गॉग के साथ रिवर्स भी सच है। वान गॉग ने अपने भाई, थियो पर भरोसा करते हुए, उन्हें पेंट और कैनवास प्रदान करने के लिए, फिर भी आज उनके चित्रों ने जब भी वे एक कला नीलामी में आते हैं, और वह एक घरेलू नाम है।

अतीत और वर्तमान में प्रसिद्ध चित्रों को देखना आपको कई चीजें सिखा सकता है, जिसमें रचना और पेंट की हैंडलिंग शामिल है। हालांकि शायद सबसे महत्वपूर्ण सबक यह है कि आपको अंततः अपने लिए रंग देना चाहिए, न कि बाजार या पोस्टर के लिए।

"नाइट वॉच" - रेम्ब्रांट

द्वारा "नाइट वॉच" पेंटिंग Rembrandt में हे Rijksmuseum एम्स्टर्डम में। जैसा कि फोटो दिखाता है, यह एक विशाल पेंटिंग है: 363x437 सेमी (143x172 ")।

Rembrandt 1642 में इसे समाप्त कर दिया। इसका असली शीर्षक "द कंपनी ऑफ फ्रैंस बैनिंग कोक एंड विलेम वैन रुयटेनबर्च" है, लेकिन यह अभी के लिए बेहतर है रात्रिकालीन पहरा. (एक कंपनी का मिलिशिया गार्ड होना)।

पेंटिंग की रचना अवधि के लिए बहुत अलग थी। आंकड़ों को साफ-सुथरे, व्यवस्थित ढंग से दिखाने के बजाय, जहां सभी को कैनवास पर एक ही प्रमुखता और स्थान दिया गया था, रेम्ब्रांट ने उन्हें एक व्यस्त समूह के रूप में चित्रित किया है।

1715 के आसपास "नाइट वॉच" पर एक ढाल चित्रित की गई थी जिसमें 18 लोगों के नाम थे, लेकिन केवल कुछ नामों की पहचान की गई थी। (इसलिए याद रखें कि क्या आप एक समूह चित्र को चित्रित करते हैं: भविष्य के सभी लोगों के नाम के साथ जाने के लिए पीठ पर एक चित्र बनाएं पीढ़ियों को पता चल जाएगा!) मार्च 2009 में डच इतिहासकार बास डुडोक वैन हील ने आखिरकार इस रहस्य को सुलझा लिया चित्र। उनके शोध में यहां तक ​​कि "नाइट वॉच" में दर्शाए गए कपड़ों और सामानों के सामान भी पाए गए थे पारिवारिक सम्पदा, जिसे उन्होंने तब 1642 में विभिन्न मिलिशियन की उम्र के साथ मिलाया था, उस वर्ष पेंटिंग थी पुरा होना।

डुडोक वान हील ने यह भी पता लगाया कि हॉल में जहां रेम्ब्रांट की "नाइट वॉच" को पहली बार लटका दिया गया था, वहाँ छह समूह थे एक मिलिशिया के चित्र मूल रूप से एक निरंतर श्रृंखला में प्रदर्शित होते हैं, न कि छह अलग-अलग चित्रों के रूप में लंबे समय से विचार। बल्कि रेम्ब्रांट, पेंकेनॉय, बेकर, वैन डेर हेल्स्ट, वान सैंडार्ट और फ्लिनक द्वारा छह समूह के चित्रों ने एक दूसरे से मेल खाते हुए एक अखंड फ्रिंज का गठन किया और कमरे की लकड़ी के पैनलिंग में तय किया। या, यही इरादा था। रेम्ब्रांट की "नाइट वॉच" रचना या रंग में अन्य चित्रों के साथ फिट नहीं होती है। ऐसा लगता है कि रेम्ब्रांट ने अपने कमीशन की शर्तों का पालन नहीं किया। लेकिन तब, अगर वह होता, तो हमारे पास 17 वीं शताब्दी के समूह के चित्र के रूप में यह अलग नहीं होता।

"हरे" - अल्ब्रेक्ट ड्यूरर

आमतौर पर इसे ड्यूरर के खरगोश के रूप में जाना जाता है, इस पेंटिंग का आधिकारिक शीर्षक इसे एक हरेला कहता है। पेंटिंग स्थायी संग्रह में है चमगादड़ संग्रह की अल्बर्टिना संग्रहालय वियना, ऑस्ट्रिया में।

इसे वाटर कलर और गॉच का उपयोग करके चित्रित किया गया था, जिसमें गौचे में किए गए सफेद हाइलाइट्स थे (कागज के अप्रकाशित सफेद होने के बजाय)।

यह एक शानदार उदाहरण है कि फर को कैसे चित्रित किया जा सकता है। इसका अनुकरण करने के लिए, आपके द्वारा लिया गया दृष्टिकोण इस बात पर निर्भर करता है कि आपको कितना धैर्य मिला है। यदि आपके पास oodles है, तो आप एक समय में एक पतले ब्रश, एक बाल का उपयोग करके पेंट करेंगे। अन्यथा, एक सूखी ब्रश तकनीक का उपयोग करें या ब्रश पर बालों को विभाजित करें। धैर्य और धीरज जरूरी है। गीले पेंट पर भी जल्दी से काम करें, और व्यक्तिगत स्ट्रोक जोखिम सम्मिश्रण। लंबे समय तक जारी न रखें और फर थ्रेडबेयर लगेगा।

सिस्टिन चैपल सीलिंग फ्रेस्को - माइकल एंजेलो

सिस्टिन चैपल छत के माइकल एंजेलो द्वारा बनाई गई पेंटिंग दुनिया में सबसे प्रसिद्ध भित्तिचित्रों में से एक है।

सिस्टिन चैपल एपोस्टोलिक पैलेस में एक बड़ा चैपल है, जो वेटिकन सिटी में पोप (कैथोलिक चर्च के नेता) का आधिकारिक निवास है। इसमें कई भित्ति चित्र हैं, जो पुनर्जागरण के कुछ सबसे बड़े नामों में शामिल हैं, बर्निनी और राफेल द्वारा दीवार भित्तिचित्रों सहित, फिर भी माइकल एंजेलो द्वारा छत पर भित्तिचित्रों के लिए सबसे प्रसिद्ध है।

माइकल एंजेलो का जन्म 6 मार्च 1475 को हुआ था और मृत्यु 18 फरवरी 1564 को हुई थी। पोप जूलियस II द्वारा कमीशन, माइकल एंजेलो ने काम कियासिस्टिन चैपल छत मई 1508 से अक्टूबर 1512 तक (सितंबर 1510 और अगस्त 1511 के बीच कोई काम नहीं किया गया था)। चैपल का उद्घाटन 1 नवंबर 1512 को, सभी संतों के पर्व पर किया गया था।

चैपल 40.23 मीटर लंबा, 13.40 मीटर चौड़ा और छत 20.70 मीटर अपने सबसे ऊंचे स्थान पर है।¹. माइकल एंजेलो ने बाइबिल के दृश्यों, नबियों और मसीह के पूर्वजों की एक श्रृंखला को चित्रित किया, साथ ही ट्रॉमपे ल्योइल या वास्तुकला सुविधाओं को भी चित्रित किया। छत के मुख्य क्षेत्र में उत्पत्ति की पुस्तक की कहानियों से मानव जाति के निर्माण, अनुग्रह से मनुष्य के पतन, बाढ़ और नूह सहित कहानियों को दर्शाया गया है।

सिस्टिन चैपल छत: एक विस्तार

मनुष्य के निर्माण को दिखाने वाला पैनल शायद सिस्टिन चैपल की छत पर माइकल एंजेलो द्वारा प्रसिद्ध फ्रेस्को में सबसे प्रसिद्ध दृश्य है।

वेटिकन में सिस्टिन चैपल में कई भित्ति चित्र हैं, फिर भी माइकल एंजेलो द्वारा छत पर भित्तिचित्रों के लिए सबसे प्रसिद्ध है। वेटिकन के कला विशेषज्ञों द्वारा 1980 और 1994 के बीच व्यापक बहाली की गई थी, जो मोमबत्तियों और धुएं के पिछले काम से सदियों से चली आ रही थी। यह रंग पहले की तुलना में बहुत उज्जवल दिखाई दिया।

पिगमेंट माइकल एंजेलो में लाल और येलो के लिए गेरू, साग के लिए आयरन सिलिकेट्स, ब्लूज़ के लिए लैपिस लाजुली और काले के लिए चारकोल शामिल थे।¹ ऐसा नहीं है कि सबकुछ पहले जितना दिखाई देता है। उदाहरण के लिए अग्रभूमि में आंकड़े छत की गहराई की भावना को जोड़ते हुए, पृष्ठभूमि की तुलना में अधिक विस्तार से चित्रित किए जाते हैं।

सिस्टिन चैपल पर अधिक:

• वेटिकन संग्रहालय: सिस्टिन चैपल
• सिस्टिन चैपल का वर्चुअल टूर

स्रोत:
1 वेटिकन संग्रहालय: सिस्टिन चैपल, वेटिकन सिटी राज्य की वेबसाइट, 9 सितंबर 2010 को एक्सेस किया गया।

लियोनार्डो दा विंची नोटबुक

पुनर्जागरण कलाकार लियोनार्डो दा विंची न केवल अपने चित्रों के लिए बल्कि अपनी नोटबुक के लिए भी प्रसिद्ध हैं। यह तस्वीर लंदन में V & A संग्रहालय में एक दिखाती है।

लंदन के V & A संग्रहालय में लियोनार्डो दा विंची की पाँच पुस्तिकाएँ संग्रह में हैं। कोडेक्स फोर्स्टर III के रूप में जाना जाने वाला यह एक, लियोनार्डो दा विंची द्वारा 1490 और 1493 के बीच इस्तेमाल किया गया था, जब वह ड्यूक लुडोविको सेफोर्ज़ा के लिए मिलान में काम कर रहे थे।

यह एक छोटी नोटबुक है, जिस तरह का आकार आप आसानी से कोट की जेब में रख सकते हैं। यह सभी प्रकार के विचारों, नोटों और रेखाचित्रों से भरा है, जिसमें "घोड़े के पैरों के रेखाचित्र, के चित्र भी शामिल हैं।" टोपी और कपड़े जो गेंदों पर वेशभूषा के लिए विचार हो सकते हैं, और मानव की शारीरिक रचना का एक खाता है सिर।"¹ जब आप संग्रहालय में नोटबुक के पृष्ठों को चालू नहीं कर सकते हैं, तो आप इसके माध्यम से ऑनलाइन पेज बना सकते हैं।

सुलेख शैली और दर्पण-लेखन के उनके उपयोग के बीच उनकी लिखावट को पढ़ना आसान नहीं है (पीछे से, दाएं से बाएं) लेकिन कुछ को यह देखना आकर्षक लगता है कि वह किस तरह से सभी को एक में रखता है स्मरण पुस्तक। यह एक काम करने वाली नोटबुक है, शोपीस नहीं। अगर आपको कभी चिंता हुई कि आपकी रचनात्मकता पत्रिका किसी भी तरह से सही ढंग से किया या व्यवस्थित नहीं किया गया था, इस मास्टर से अपना नेतृत्व करें: इसे अपनी आवश्यकता के अनुसार करें।

<sub>स्रोत:
1. फोर्स्टर कोड्स, वी एंड ए म्यूजियम का अन्वेषण करें। (8 अगस्त 2010 को एक्सेस किया गया।)</sub>

"द मोना लिसा" - लियोनार्डो दा विंची

लियोनार्डो दा विंसीपेरिस में लौवर में "मोना लिसा" पेंटिंग, यकीनन दुनिया की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग है। यह शायद इसका सबसे प्रसिद्ध उदाहरण भी है sfumato, एक चित्रकला तकनीक आंशिक रूप से उसकी गूढ़ मुस्कान के लिए जिम्मेदार है।

पेंटिंग में महिला कौन थी, इसके बारे में कई अटकलें हैं। ऐसा माना जाता है कि फ्रांसेस्को डेल जियोकोंडो नामक एक फ्लोरेंटाइन कपड़ा व्यापारी की पत्नी लिसा घेरार्दिनी का चित्र है। (16 वीं शताब्दी के कला लेखक वासरी ने यह सुझाव देने वाले पहले लोगों में से थे, अपने "लाइव्स ऑफ़ द आर्टिस्ट्स") में। यह भी सुझाव दिया गया है कि उसकी मुस्कुराहट का कारण यह था कि वह गर्भवती थी।

कला इतिहासकार जानते हैं लियोनार्डो 1503 तक "मोना लिसा" शुरू कर दिया था, एक रिकॉर्ड के रूप में उस वर्ष में एक वरिष्ठ फ्लोरेंटाइन अधिकारी, एगोस्टिनो वेस्पुसी द्वारा बनाया गया था। जब वह समाप्त हो गया, तो यह कम है। लौवर ने मूल रूप से पेंटिंग को 1503-06 में दिनांकित किया था, लेकिन 2012 में की गई खोजों से पता चलता है कि यह एक के रूप में ज्यादा हो सकता है एक दशक पहले यह खत्म हो गया था पृष्ठभूमि के आधार पर चट्टानों की एक ड्राइंग पर आधारित होने के कारण वह जाना जाता है 1510-15.¹ मार्च 2012 में लौवर ने तारीखों को बदलकर 1503-19 कर दिया।

स्रोत:
1. 7 मार्च 2012 (10 मार्च 2012 को प्राप्त) मार्टिन बेली द्वारा द आर्ट न्यूजपेपर में सोचे गए मोना लिसा को एक दशक बाद पूरा किया जा सकता था।

प्रसिद्ध चित्रकार: ग्वेनी में मोनेट

पेंटिंग के लिए संदर्भ तस्वीरें: मोनेट की "गिवरनी में गार्डन।"

इंप्रेशनिस्ट पेंटर क्लॉड मोनेट जिस कारण से प्रसिद्ध हैं, उसका एक हिस्सा उनके लिवर के बड़े तालाब में बनाए गए लिली तालाबों में उनके प्रतिबिंबों के चित्र हैं। यह कई वर्षों तक प्रेरित रहा, ठीक उसके जीवन के अंत तक। उन्होंने तालाबों से प्रेरित चित्रों के लिए विचारों का स्केच बनाया और उन्होंने छोटे और बड़े चित्रों को व्यक्तिगत कार्यों और श्रृंखला के रूप में बनाया।

क्लाउड मोनेट के हस्ताक्षर

मोनेट ने अपने चित्रों पर कैसे हस्ताक्षर किए, इसका एक उदाहरण उनकी वाटर लिली पेंटिंग में से एक है। आप देख सकते हैं कि उसने एक नाम और उपनाम (क्लाउड मोनेट) और वर्ष (1904) के साथ इस पर हस्ताक्षर किए हैं। यह नीचे दाएं हाथ के कोने में है, काफी दूर है इसलिए इसे फ्रेम से नहीं काटा जाएगा।

मोनेट का पूरा नाम क्लाउड ऑस्कर मोनेट था।

"छाप सूर्योदय" - मोनेट

मोनेट की इस पेंटिंग को नाम दिया प्रभाववादी शैली कला का। उन्होंने इसे 1874 में पेरिस में प्रदर्शित किया जिसे प्रथम प्रभाववादी प्रदर्शनी के रूप में जाना जाता है।

प्रदर्शनी की अपनी समीक्षा में जिसे उन्होंने "प्रभाववादियों की प्रदर्शनी" शीर्षक दिया, कला समीक्षक लुई लेरॉय ने कहा:

"इसकी भ्रूणीय अवस्था में वॉलपेपर उस सीस्केप की तुलना में अधिक समाप्त है."

<sub>स्रोत:
1. लुइस लेरॉय द्वारा "ल एक्सपोजिशन डेस इंप्रेशननिस्ट्स" ले चवरी, 25 अप्रैल 1874, पेरिस। जॉन रेवाल्ड द्वारा अनूदित प्रभाववाद का इतिहास, मोमा, 1946, पी 256-61; सलोन टू बायेंनियल में उद्धृत: ब्रूस अल्टशुलर, फिदोन द्वारा निर्मित कला इतिहास, प्रदर्शन, पृष्ठ 42-43।</sub>

"हेयस्टैक्स" श्रृंखला - मोनेट

मोनेट ने अक्सर प्रकाश के बदलते प्रभावों को पकड़ने के लिए उसी विषय की एक श्रृंखला को चित्रित किया, दिन बढ़ने के साथ कैनवस की अदला-बदली की।

मोनेट ने कई विषयों को बार-बार चित्रित किया, लेकिन उनकी प्रत्येक श्रृंखला की पेंटिंग अलग है, चाहे वह पानी के लिली की पेंटिंग हो या फिर हेकैक। जैसा कि मोनेट की पेंटिंग दुनिया भर के संग्रहों में बिखरी हुई है, यह आमतौर पर केवल विशेष प्रदर्शनियों में होती है कि उनकी श्रृंखला के चित्रों को एक समूह के रूप में देखा जाता है। सौभाग्य से, शिकागो में कला संस्थान इसके संग्रह में मोनेट के हिस्टैक्स चित्रों के कई हैं, क्योंकि वे प्रभावशाली बनाते हैं एक साथ देखना:

• गेहूं का ढेर
• थ्व, सूर्यास्त
• सूर्यास्त, हिम प्रभाव
• स्नो इफेक्ट, ओवरकास्ट डे
• गर्मियों का अंत

अक्टूबर 1890 में मोनेट ने कला समीक्षक गुस्ताव गेफ़रॉय को एक पत्र लिखा, जिसमें उन्होंने कहा कि वे पेंटिंग कर रहे थे।

"मैं इस पर कठोर हूं, विभिन्न प्रभावों की एक श्रृंखला पर हठपूर्वक काम कर रहा हूं, लेकिन वर्ष के इस समय में सूरज इतनी तेजी से सेट होता है कि इसके साथ रहना असंभव है... आगे मुझे मिलता है, जितना अधिक मैं देखता हूं कि जो मैं देख रहा हूं, उसे रेंडर करने के लिए बहुत काम करना होगा: 'तात्कालिकता', ऊपर 'लिफाफा', सब कुछ एक ही प्रकाश फैल गया... मैं जो अनुभव कर रहा हूं, उसे रेंडर करने की आवश्यकता से मैं बहुत अधिक रोमांचित हूं और मैं प्रार्थना कर रहा हूं कि मेरे पास कुछ और अच्छे वर्ष होंगे, क्योंकि मुझे लगता है कि मैं उस दिशा में कुछ प्रगति कर सकता हूं... " ¹

<sup>स्रोत: ​
1. स्वयं द्वारा मोनेट, p172, रिचर्ड केंडल, मैकडोनाल्ड एंड कंपनी, लंदन, 1989 द्वारा संपादित।</sup>

"वॉटर लिली" - क्लाउड मोनेट

क्लॉड मोनेट, "पानी लिली," सी। 19140-17, कैनवास पर तेल। आकार 65 3/8 x 56 इंच (166.1 x 142.2 सेमी)। के संग्रह में सैन फ्रांसिस्को के ललित कला संग्रहालय.

मोनेट शायद प्रभाववादियों में सबसे प्रसिद्ध है, विशेष रूप से अपने गन्ने के बगीचे में लिली तालाब में प्रतिबिंबों के चित्रों के लिए। यह विशेष पेंटिंग शीर्ष दाएं कोने में बादल का एक छोटा सा हिस्सा दिखाती है, और पानी में परिलक्षित आकाश के उदास निशान।

यदि आप मोनेट के बगीचे की तस्वीरों का अध्ययन करते हैं, जैसे कि मोनेट के लिली तालाब और यह लिली के फूलों में से एक है, और इस पेंटिंग से उनकी तुलना करें, तो आप इस बात का अहसास हो कि कैसे मोनेट ने अपनी कला में विस्तार को कम किया, जिसमें केवल दृश्य का सार, या प्रतिबिंब, पानी, और तैलीय की छाप शामिल थी। फूल। एक बड़े संस्करण के लिए ऊपर दिए गए फ़ोटो के नीचे "पूर्ण आकार देखें" लिंक पर क्लिक करें जिसमें मोनेट के ब्रशवर्क के लिए एक महसूस करना आसान है।

फ्रांसीसी कवि पॉल क्लाउड ने कहा:

"पानी के लिए धन्यवाद, [मोनेट] वह चित्रकार बन गया है जिसे हम नहीं देख सकते हैं। वह उस अदृश्य आध्यात्मिक सतह को संबोधित करता है जो प्रकाश को परावर्तन से अलग करती है। लिक्विड एज़्योर का एरो एज़्योर कैप्टिव... रंग बादलों में पानी के नीचे से, भंवर में उगता है। "

^{स्रोत:}
पेज 262 आर्ट ऑफ अवर सेंचुरी, जीन-लुई फेरियर और यान ले पिचोन द्वारा

केमिली पिसारो के हस्ताक्षर

चित्रकार केमिली पिसारो अपने समकालीनों (जैसे मोनेट) की तुलना में कम प्रसिद्ध हैं, लेकिन कला समयरेखा में एक अद्वितीय स्थान रखते हैं। उन्होंने एक इम्प्रेशनिस्ट और नियो-इम्प्रेशनिस्ट दोनों के रूप में काम किया, साथ ही अब केज़ेन, वान गाग और गाउगिन जैसे प्रसिद्ध कलाकारों को प्रभावित किया। वह सभी आठों में प्रदर्शन करने वाले एकमात्र कलाकार थे प्रभाववादी प्रदर्शनियां पेरिस में 1874 से 1886 तक।

वान गॉग सेल्फ पोर्ट्रेट (1886/1887)

यह चित्र द्वारा द्वारा विंसेंट वान गाग शिकागो के कला संस्थान के संग्रह में है। यह पॉइंटिलिज़्म के समान शैली का उपयोग करके चित्रित किया गया था, लेकिन केवल डॉट्स के लिए सख्ती से छड़ी नहीं करता है।

1886 से 1888 तक पेरिस में वे दो साल रहे, वान गाग ने 24 स्व-चित्र चित्रित किए। आर्ट इंस्टीट्यूट ऑफ शिकागो ने इसे सेराट की "डॉट तकनीक" को वैज्ञानिक पद्धति के रूप में नहीं बल्कि एक गहन "के रूप में नियोजित किया भावनात्मक भाषा "जिसमें" लाल और हरे रंग के डॉट्स परेशान कर रहे हैं और पूरी तरह से वान गाग में स्पष्ट रूप से तंत्रिका तनाव के साथ टकटकी। "

अपनी बहन विल्हेल्मिना को कुछ साल बाद एक पत्र में, वान गाग ने लिखा:

"मैंने हाल ही में खुद की दो तस्वीरों को चित्रित किया है, जिनमें से एक के बजाय सच चरित्र है, मुझे लगता है," हालांकि हॉलैंड में वे शायद चित्र पेंटिंग के बारे में उन विचारों का मजाक उड़ाएंगे जो अंकुरित हो रहे हैं यहां... मुझे हमेशा लगता है कि तस्वीरें घिनौनी हैं, और मुझे उनके आसपास रहना पसंद नहीं है, खासकर उन लोगों को नहीं जिन्हें मैं जानता हूं और प्यार करता हूं... फोटो खींचने का काम जितनी जल्दी हम करते हैं, उतनी ही जल्दी हो जाता है, जबकि चित्रित चित्र एक ऐसी चीज है जिसे महसूस किया जाता है, जो चित्रित किए गए इंसान के लिए प्यार या सम्मान के साथ किया जाता है। "

स्रोत:
विल्हेल्मिना वान गाग को पत्र, 19 सितंबर 1889

विन्सेंट वैन गॉग के हस्ताक्षर

द नाइट कैफ़े वान गाग द्वारा अब येल विश्वविद्यालय आर्ट गैलरी के संग्रह में है। यह ज्ञात है कि वान गॉग ने केवल उन्हीं चित्रों पर हस्ताक्षर किए हैं जिनसे वह विशेष रूप से संतुष्ट थे, लेकिन इस पेंटिंग के मामले में जो असामान्य है वह यह है कि उन्होंने अपने हस्ताक्षर के नीचे एक शीर्षक जोड़ा, "ले कैफे डे निट।"
सूचना वान गाग ने अपने चित्रों पर केवल "विंसेंट," "विन्सेंट वैन गॉग" और न ही "वान गाग" पर हस्ताक्षर किए।

24 मार्च 1888 को लिखे अपने भाई थियो को लिखे एक पत्र में उन्होंने कहा:

"भविष्य में मेरा नाम कैटलॉग में रखा जाना चाहिए क्योंकि मैं इसे कैनवास पर, अर्थात् विंसेंट और वान गाग पर हस्ताक्षर करता हूं, साधारण कारण के लिए कि वे नहीं जानते कि यहां बाद के नाम का उच्चारण कैसे किया जाए।"

"यहाँ मैं फ्रांस के दक्षिण में, आर्ल्स जा रहा हूँ।
यदि आपने सोचा है कि आप वान गाग का उच्चारण कैसे करते हैं, तो याद रखें कि यह एक डच उपनाम है, न कि फ्रेंच या अंग्रेजी। तो "गोग" का उच्चारण किया जाता है, इसलिए यह स्कॉटिश "लोच" के साथ गाया जाता है। यह "गॉफ" नहीं है और न ही "जाना" है।

द स्टार्री नाइट - विन्सेंट वैन गॉग

यह पेंटिंग, जो संभवतः विन्सेंट वैन गॉग द्वारा सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग है, संग्रह में है आधुनिक कला का संग्रहालय न्यूयॉर्क में।
वान गाग चित्रित तारामय रात जून 1889 में, अपने भाई थियो को एक पत्र में सुबह के सितारे का उल्लेख करते हुए 2 जून 1889 के आसपास लिखा: "आज सुबह मैं मेरी खिड़की से देश को सूर्योदय से बहुत पहले देखा, सुबह के तारे के अलावा और कुछ नहीं, जो बहुत बड़ा लग रहा था। ”सुबह का तारा (वास्तव में शुक्र ग्रह, एक तारा नहीं) आमतौर पर पेंटिंग के केंद्र के बाईं ओर चित्रित बड़े सफेद होने के लिए लिया जाता है।
वान गाग के पहले के पत्रों में सितारों और रात के आकाश और उन्हें चित्रित करने की उनकी इच्छा का भी उल्लेख है:

1. "जब मैं तारों वाले आकाश को करने के लिए कभी भी चक्कर लगाऊंगा, तो वह तस्वीर जो हमेशा मेरे दिमाग में है?" (एमिल बर्नार्ड को पत्र, c.18 जून 1888)
2. "जैसा कि तारों वाले आकाश के लिए, मैं इसे पेंट करने के लिए बहुत उम्मीद कर रहा हूं, और शायद मैं इन दिनों में से एक होगा" (लेटर टू थियो वैन गॉग, c.26 सितंबर 1888)।
3. “वर्तमान में मैं बिल्कुल एक तारों वाले आकाश को चित्रित करना चाहता हूं। यह अक्सर मुझे लगता है कि रात अभी भी दिन की तुलना में अधिक समृद्ध है; सबसे तीव्र violets, उदास, और साग के hues होने। अगर केवल आप इस पर ध्यान देंगे तो आप देखेंगे कि कुछ सितारे नींबू-पीले हैं, अन्य गुलाबी या हरे, नीले और भूल-चूक वाले हैं ...। यह स्पष्ट है कि नीले-काले रंग पर छोटे सफेद डॉट्स लगाना एक तारों वाले आकाश को रंग देने के लिए पर्याप्त नहीं है। "(विल्हेल्मिना वान गाग को पत्र, 16 सितंबर 1888)

रेस्तरां डे ला सिरेन, एसेनिरेस में - विन्सेन्ट वैन गॉग

विन्सेंट वैन गॉग की यह पेंटिंग ब्रिटेन के ऑक्सफोर्ड में एशमोलियन संग्रहालय के संग्रह में है। वान गॉग ने 1887 में पेरिस में अपने भाई थियो के साथ मोंटमार्ट्रे में रहने के तुरंत बाद इसे चित्रित किया, जहाँ थियो एक आर्ट गैलरी का प्रबंधन कर रहा था।
पहली बार, विन्सेन्ट को प्रभाववादियों (विशेष रूप से मोनेट) के चित्रों से अवगत कराया गया और जैसे कलाकारों से मुलाकात की गौगुइन, टूलूज़-लॉट्रेक, एमिल बर्नार्ड और पिस्सारो। अपने पिछले काम की तुलना में, जो कि रेम्ब्रांट जैसे उत्तरी यूरोपीय चित्रकारों की विशिष्ट पृथ्वी के अंधेरे क्षेत्रों में हावी था, यह पेंटिंग उन पर इन कलाकारों के प्रभाव को दिखाती है।
उसने जिन रंगों का उपयोग किया है, वे हल्के और चमकीले हो गए हैं, और उनका ब्रशवर्क शिथिल और अधिक स्पष्ट हो गया है। पेंटिंग से इन विवरणों को देखें, और आप देखेंगे कि किस तरह उन्होंने शुद्ध रंग के छोटे स्ट्रोक का उपयोग किया है, अलग-अलग सेट करें। वह कैनवस पर रंगों को मिश्रित नहीं कर रहा है, लेकिन यह दर्शक की आंखों में होने देता है। वह कोशिश कर रहा है टूटा हुआ रंग प्रभाववादियों का दृष्टिकोण।
उनके बाद के चित्रों की तुलना में, रंग की पट्टियाँ अलग-अलग हैं, उनके बीच तटस्थ पृष्ठभूमि दिखाई दे रही है। वह अभी तक पूरे कैनवस को संतृप्त रंग के साथ कवर नहीं कर रहा है, और न ही पेंट में बनावट बनाने के लिए ब्रश का उपयोग करने की संभावनाओं का शोषण कर रहा है।

विन्सेन्ट वैन गॉग द्वारा असनियरेस पर रेस्तरां डे ला सिरेन, (विस्तार)

वान गाग की पेंटिंग द रेस्तरां डे ला सिरेन, असनियरेस (एशमोलियन संग्रहालय के संग्रह में) से ये विवरण दिखाते हैं कि वह कैसे प्रभाववादी और अन्य समकालीन पेरिस के चित्रों के संपर्क में आने के बाद अपने ब्रशवर्क और ब्रशमार्क के साथ प्रयोग किया कलाकार की।

"फोर डांसर्स" - एडगर डेगास

एडगर डेगास, फोर डांसर, सी। 1899. तेल के रंगों से केन्वस पर बना चित्र। आकार 59 1/2 x 71 इंच (151.1 x 180.2 सेमी)। में नेशनल गैलरी ऑफ आर्ट, वाशिंगटन।

"कलाकार की माँ का चित्र" - व्हिसलर

यह संभवतः व्हिसलर की सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग है। इसका पूरा शीर्षक "अरेंजमेंट इन ग्रे एंड ब्लैक नं। 1, पोर्ट्रेट ऑफ द आर्टिस्ट मदर" है। उनकी मां पेंटिंग के लिए पोज देने के लिए तैयार हो गईं, जब मॉडल व्हिसलर उपयोग कर रही थीं कि वह बीमार पड़ गईं। उसने शुरू में उसे खड़े होने के लिए कहा, लेकिन जैसा कि आप देख सकते हैं कि उसने अंदर दिया और उसे बैठने दिया।
दीवार पर एक नक़्क़ाशी व्हिसलर द्वारा की गई है, "ब्लैक लायन व्हार्फ़।" यदि आप पर्दे के ऊपर बाईं ओर बहुत ध्यान से देखते हैं नक़्क़ाशी के फ्रेम में, आप एक हल्का धब्बा देखेंगे, यह तितली का प्रतीक है जो व्हिसलर ने अपने चित्रों पर हस्ताक्षर करने के लिए इस्तेमाल किया था। प्रतीक हमेशा समान नहीं था, लेकिन यह बदल गया, और इसकी आकृति का उपयोग उसकी कलाकृति को तारीख करने के लिए किया जाता है। यह ज्ञात है कि उन्होंने 1869 तक इसका उपयोग शुरू कर दिया था।

"होप II" - गुस्ताव क्लिम्ट

"जो कोई भी मेरे बारे में कुछ जानना चाहता है - एक कलाकार के रूप में, एकमात्र उल्लेखनीय चीज - मुझे अपने चित्रों को ध्यान से देखना चाहिए और उनमें यह देखने की कोशिश करनी चाहिए कि मैं क्या हूं और क्या करना चाहता हूं।" क्लिमेट।

गुस्ताव क्लिम्ट चित्रित आशा II 1907/8 में कैनवास पर तेल पेंट, सोना और प्लैटिनम का उपयोग करना। यह आकार में 43.5x43.5 "(110.5 x 110.5 सेमी) है। पेंटिंग के संग्रह का हिस्सा है आधुनिक कला का संग्रहालय न्यूयॉर्क में।
आशा II का एक सुंदर उदाहरण है चित्रों में सोने की पत्ती का किल्मट का उपयोग और उनकी समृद्ध सजावटी शैली। जिस तरह से उन्होंने मुख्य आकृति द्वारा पहने गए परिधान को चित्रित किया है, उसे देखें कि कैसे यह एक अमूर्त आकृति है जिसे मंडलियों के साथ सजाया गया है फिर भी हम इसे एक लबादा या पोशाक के रूप में पढ़ते हैं। नीचे कैसे तीन अन्य चेहरे में पिघला देता है।
क्लिंट की अपनी सचित्र जीवनी में, कला समीक्षक फ्रैंक व्हिटफोर्ड ने कहा:

क्लिंट "ने वास्तविक सोने और चांदी के पत्तों को लागू किया ताकि पेंटिंग को अभी भी आगे बढ़ाया जा सके एक अनमोल वस्तु है, दूर से एक दर्पण नहीं है जिसमें प्रकृति की झलक हो सकती है, लेकिन सावधानीपूर्वक बुना हुआ कपड़ा। " ²

यह एक प्रतीकवाद है जिसे अभी भी वैध माना जाता है, यह देखते हुए कि सोने को अभी भी मूल्यवान वस्तु माना जाता है।
क्लिम्ट ऑस्ट्रिया के वियना में रहते थे और अपनी प्रेरणा को पूर्व की तुलना में पश्चिम से अधिक "जैसे स्रोतों" से आकर्षित किया बीजान्टिन कला, माइसेनियन धातु कार्य, फारसी आसनों और लघुचित्र, रावेना चर्चों के मोज़ाइक और जापानी स्क्रीन। " ³
स्रोत:
1. कलाकारों के संदर्भ में: गुस्ताव क्लिम्ट फ्रैंक व्हिटफोर्ड (कोलिन्स एंड ब्राउन, लंदन, 1993) द्वारा, बैक कवर।
2. आइबिड। पृष्ठ 82।
3. मोमा हाइलाइट्स (आधुनिक कला संग्रहालय, न्यूयॉर्क, 2004), पी। 54

पिकासो के हस्ताक्षर

इस पर हस्ताक्षर है पिकासो उनकी 1903 की पेंटिंग (उनके ब्लू पीरियड से) का शीर्षक "द एब्सिन्थे ड्रिंकर।"
पिकासो ने अपने पेंटिंग के हस्ताक्षर के रूप में अपने नाम के विभिन्न छोटे संस्करणों के साथ प्रयोग किया "पाब्लो पिकासो।" आज हम आम तौर पर उसे बस के रूप में संदर्भित सुनते हैं "पिकासो।"

उनका पूरा नाम था: पाब्लो, डिगो, जोस, फ्रांसिस्को डी पाउला, जुआन नेपोमुकेनो, मारिया डे लॉस रेमेडिओस, सिप्रियानो, डे ला सेंटिसिमा त्रिनिदाद, रूइज़ पिकासो¹.
​
<sub>स्रोत:
1. नताशा स्टैलर द्वारा "विनाश का एक योग: पिकासो की संस्कृति और सृजनवाद का घनवाद"। येल यूनिवर्सिटी प्रेस। पृष्ठ p209</sub>

"द एब्सिन्थे ड्रिंकर" - पिकासो

यह पेंटिंग पिकासो ने 1903 में अपने ब्लू पीरियड के दौरान बनाई थी (एक समय था जब ब्लू के स्वर पिकासो के चित्रों पर हावी थे; जब वह अपने बिसवां दशा में था)। इसमें कलाकार एंजेल फर्नांडीज डी सोटो हैं, जो अपनी पेंटिंग की तुलना में पार्टी करने और पीने के बारे में अधिक उत्साही थे¹, और जिन्होंने दो अवसरों पर बार्सिलोना में पिकासो के साथ एक स्टूडियो साझा किया।
पेंटिंग को जून 2010 में एंड्रयू लॉयड वेबर फाउंडेशन द्वारा नीलामी के लिए रखा गया था। जर्मन-यहूदी बैंकर पॉल वॉन मेंडेलसोहन-बार्थोल्डी के वंशजों द्वारा एक दावे के बाद कि नाजी शासन के दौरान 1930 के दशक में यह पेंटिंग ड्यूरेस के अधीन थी। जर्मनी।

<sub>स्रोत:
1. क्रिस्टी का नीलामी घर प्रेस विज्ञप्ति, "17 मार्च 2010 को क्रिस्टीज़ को पिकासो मास्टरपीस की पेशकश करने के लिए।"</sub>

"द ट्रेजेडी" - पिकासो

पाब्लो पिकासो, द ट्रेजेडी, 1903। लकड़ी पर तेल। आकार 41 7/16 x 27 3/16 इंच (105.3 x 69 सेमी)। में नेशनल गैलरी ऑफ आर्ट, वाशिंगटन।

यह उनके ब्लू पीरियड का है, जब उनकी पेंटिंग थी, जैसा कि नाम से ही पता चलता है, सभी ब्लूज़ पर हावी थे।

पिकासो द्वारा उनकी प्रसिद्ध "ग्वेर्निका" पेंटिंग के लिए स्केच

अपनी विशाल पेंटिंग गर्निका की योजना बनाने और काम करने के दौरान, पिकासो ने कई रेखाचित्र और अध्ययन किए। फोटो में उनकी एक तस्वीर दिखाई गई है रचना रेखाचित्र, जो अपने आप में ऐसा नहीं दिखता है, स्क्रीबल्ड लाइनों का एक संग्रह है।

यह समझने की कोशिश करने के बजाय कि विभिन्न चीजें क्या हो सकती हैं और यह अंतिम पेंटिंग में कहां है, इसे पिकासो शॉर्टहैंड के रूप में सोचें। सरल चिह्न बनाना छवियों के लिए वह अपने मन में आयोजित किया। इन तत्वों के बीच बातचीत पर निर्णय लेने के लिए कि वह पेंटिंग में तत्वों को रखने के लिए कैसे उपयोग कर रहा है, इस पर ध्यान दें।

"गर्निका" - पिकासो

पिकासो की यह प्रसिद्ध पेंटिंग 11 फीट 6 इंच ऊंची और 25 फीट 8 इंच चौड़ी (3,5 x 7,76 मीटर) है। पिकासो ने इसे 1937 में पेरिस में स्पैनिश मंडप के लिए कमीशन पर चित्रित किया। यह मैड्रिड, स्पेन में म्यूजियो रीना सोफिया में है।

"पोर्ट्रेट डे मि। मिंगेल" - पिकासो

पिकासो ने यह पोर्ट्रेट पेंटिंग 1901 में तब की थी जब वह 20 साल के थे। एक कैटलॉग दर्जी, श्री मिंगेल, जिसे यह माना जाता है कि पिकासो को उनके कला डीलर और दोस्त पेड्रो मनच ने पेश किया था।¹. शैली से पता चलता है कि पारंपरिक पेंटिंग में पिकासो के पास प्रशिक्षण था, और उनके करियर के दौरान उनकी पेंटिंग शैली कितनी विकसित हुई। यह कागज पर चित्रित है यह एक संकेत है कि यह ऐसे समय में किया गया था जब पिकासो टूट गया था, अभी तक कैनवास पर पेंट करने के लिए अपनी कला से पर्याप्त पैसा नहीं कमा रहा है।

पिकासो ने मिंगेल को उपहार के रूप में पेंटिंग दी, लेकिन बाद में इसे वापस खरीद लिया और 1973 में जब उसकी मृत्यु हो गई तब भी उसके पास था। पेंटिंग को कैनवास पर रखा गया था और संभवतः पिकासो के मार्गदर्शन में बहाल किया गया था "1969 से कुछ समय पहले"², जब इसे पिकासो पर क्रिश्चियन ज़ेरोस की एक पुस्तक के लिए फोटो खिंचवाया गया था।

अगली बार आप उन डिनर-पार्टी के तर्कों में से एक हैं कि कैसे सभी गैर-यथार्थवादी चित्रकार केवल पेंट करते हैं सार, क्यूबिस्ट, फाउविस्ट, इंप्रेशनिस्ट, अपनी शैली का चयन करें क्योंकि वे "वास्तविक पेंटिंग" नहीं बना सकते हैं, उस व्यक्ति से पूछें कि क्या वे पिकासो को इस श्रेणी में रखते हैं (सबसे अधिक), तो इस पेंटिंग का उल्लेख करें।

_{स्रोत:
1 & 2. बोनहैम्स सेल 17802 लॉट विवरण इंप्रेशनिस्ट एंड मॉडर्न आर्ट सेल 22 जून 2010। (3 जून 2010 को एक्सेस किया गया।)}

"डोरा मार" या "त्टे दे फेम" - पिकासो

जब जून 2008 में नीलामी में बेचा गया, तो पिकासो की यह पेंटिंग £ ​​7,881,250 (US $ 15,509,512) में बिकी। नीलामी का अनुमान तीन से पांच मिलियन पाउंड था।

लेस डेमोसिएलेस डीविग्नन - पिकासो

पिकासो द्वारा बनाई गई यह विशाल पेंटिंग (लगभग आठ वर्ग फुट) आधुनिक कला के सबसे महत्वपूर्ण टुकड़ों में से एक है, अगर नहीं सबसे महत्वपूर्ण, आधुनिक कला के विकास में एक महत्वपूर्ण पेंटिंग। पेंटिंग में पांच महिलाओं - वेश्याओं को वेश्यालय में दर्शाया गया है - लेकिन इस बारे में बहुत बहस है कि इसका क्या मतलब है और इसमें सभी संदर्भ और प्रभाव हैं।
कला समीक्षक जोनाथन जोन्स¹ कहते हैं:

"पिकासो ने अफ्रीकी मास्क के बारे में क्या कहा [सही पर आंकड़े के चेहरे में स्पष्ट] था सबसे स्पष्ट बात: कि वे आपको भटकाते हैं, आपको किसी और चीज में बदल देते हैं - एक जानवर, एक दानव, एक परमेश्वर। आधुनिकता एक कला है जो एक मुखौटा पहनती है। यह नहीं कहता कि इसका क्या अर्थ है; यह एक खिड़की नहीं बल्कि एक दीवार है। पिकासो ने अपने विषय को ठीक से चुना क्योंकि यह एक क्लिच था: वह दिखाना चाहता था कि कला में मौलिकता कथा या नैतिकता में नहीं है, लेकिन औपचारिक आविष्कार में निहित है। यही कारण है कि लेस डेमोविलेज़ डी'विग्नॉन को 'वेश्यालय, वेश्याओं या उपनिवेशवाद' के बारे में एक पेंटिंग के रूप में देखना गलत है। "

स्रोत:
1. पाब्लो के बदमाश जोनाथन जोन्स द्वारा, अभिभावक, 9 जनवरी 2007।

"एक गिटार के साथ महिला" - जॉर्जेस ब्रैक

जॉर्जेस ब्रैक, एक गिटार के साथ महिला, 1913. कैनवास पर तेल और लकड़ी का कोयला। 51 1/4 x 28 3/4 इंच (130 x 73 सेमी)। मूसी नेशनल डी'आर्ट मॉडर्न में, सेंटर जार्ज पोम्पिडौ, पेरिस।

द रेड स्टूडियो - हेनरी मैटिस

इस पेंटिंग के संग्रह में है आधुनिक कला संग्रहालय (मोमा) न्यूयॉर्क में। यह मैटिस के पेंटिंग स्टूडियो के इंटीरियर को चपटा परिप्रेक्ष्य या एकल चित्र विमान के साथ दिखाता है। उनके स्टूडियो की दीवारें वास्तव में लाल नहीं थीं, वे सफेद थीं; उन्होंने अपनी पेंटिंग में लाल रंग का इस्तेमाल किया।
अपने स्टूडियो में प्रदर्शन पर उनकी विभिन्न कलाकृतियाँ और स्टूडियो फ़र्नीचर के बिट्स हैं। उनके स्टूडियो में फर्नीचर की रूपरेखा एक निचली, पीली और नीली परत से रंग प्रकट करने वाली पंक्तियों की पंक्तियाँ हैं, जिन्हें लाल रंग के ऊपर चित्रित नहीं किया गया है।

1. "एंगल्ड लाइनें गहराई का सुझाव देती हैं, और खिड़की की नीली-हरी रोशनी आंतरिक स्थान की भावना को तेज करती है, लेकिन लाल रंग का विस्तार छवि को समतल करता है। मैटिस ने इस प्रभाव को बढ़ा दिया, उदाहरण के लिए, कमरे के कोने की ऊर्ध्वाधर रेखा को छोड़ दिया। "
- मोमा हाइलाइट्स, मोमा द्वारा प्रकाशित, 2004, पृष्ठ 77।

2. "सभी तत्व... कला और जीवन, अंतरिक्ष, समय, धारणा और स्वयं वास्तविकता की प्रकृति पर लंबे समय तक ध्यान में बने रहने में उनकी व्यक्तिगत पहचान को डुबोएं... पश्चिमी चित्रकला के लिए एक चौराहा, जहां क्लासिक आउटवर्ड दिखने वाला, मुख्य रूप से अतीत का प्रतिनिधित्व करने वाली कला, भविष्य के अनंतिम, आंतरिक और आत्म-संदर्भीय नैतिकता से मिला... "
- हिलेरी स्पर्लिंग, पृष्ठ 81।

नृत्य - हेनरी मैटिस

शीर्ष फोटो में मैटिस की तैयार पेंटिंग का शीर्षक दिखाया गया है वह नाच, 1910 में पूरा हुआ और अब सेंट पीटर्सबर्ग, रूस में स्टेट हर्मिटेज संग्रहालय में। नीचे की तस्वीर पूर्ण-आकार, संरचनात्मक अध्ययन दिखाती है जो उन्होंने पेंटिंग के लिए बनाई थी, अब में है मोमा न्यूयॉर्क, संयुक्त राज्य अमेरिका में। मैटिस ने इसे रूसी कला कलेक्टर सर्गेई शुकुकिन से कमीशन पर चित्रित किया।
यह एक विशाल पेंटिंग है, लगभग चार मीटर चौड़ी और ढाई मीटर लंबी (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), और तीन रंगों तक सीमित पैलेट के साथ चित्रित की गई है: लाल, हरा और नीला। मुझे लगता है कि यह एक पेंटिंग है जो दिखाती है कि मैटिस की एक रंगकर्मी के रूप में ऐसी प्रतिष्ठा क्यों है, खासकर जब आप अध्ययन की तुलना उसके चमकते हुए आंकड़ों के साथ अंतिम पेंटिंग से करते हैं।
मैटिस की जीवनी (पृष्ठ 30 पर) में हिलेरी स्पर्लिंग कहती है:

"जिन्होंने पहले संस्करण को देखा था नृत्य यह पीला, नाजुक, यहां तक ​​कि सपने की तरह वर्णित है, ऊंचे रंगों में चित्रित किया गया था... दूसरे संस्करण में एक भयंकर हरे रंग और हरे रंग के बैंड के खिलाफ हिलती हुई सिंदूर की आकृतियों का सपाट भुरभुरापन। समकालीनों ने पेंटिंग को मूर्तिपूजक और डायोनिसियन के रूप में देखा। "

चपटे परिप्रेक्ष्य पर ध्यान दें, कैसे आंकड़े एक ही आकार के होते हैं, जो कि छोटे होने से दूर होते हैं, जो कि परिप्रेक्ष्यीय चित्रों के लिए परिप्रेक्ष्य या पूर्वाभास में होते हैं। आंकड़े के पीछे नीले और हरे रंग के बीच की रेखा कैसे घुमावदार है, यह आंकड़े के घेरे में गूंज रहा है।

"सतह संतृप्ति के लिए रंगीन थी, उस बिंदु तक जहां नीला, पूर्ण नीले रंग का विचार, निर्णायक रूप से मौजूद था। पृथ्वी के लिए एक उज्ज्वल हरा और निकायों के लिए एक जीवंत सिंदूर। इन तीन रंगों के साथ मुझे प्रकाश का सामंजस्य और स्वर की शुद्धता भी मिली। ”- मैटिस

स्रोत:
ग्रेग हैरिस, रॉयल अकादमी ऑफ़ आर्ट्स, 2008 द्वारा "शिक्षकों और छात्रों के लिए रूसी प्रदर्शनी से परिचय"।

प्रसिद्ध चित्रकार: विलेम डी कूनिंग

चित्रकार विलेम डी कूनिंग का जन्म नीदरलैंड के रोटरडम में 24 अगस्त 1904 को हुआ था और 19 मार्च 1997 को न्यूयॉर्क के लॉन्ग आइलैंड में उनका निधन हो गया था। डी कूनिंग को 12 साल की उम्र में कमर्शियल आर्ट और डेकोरेटिंग फर्म का प्रशिक्षण दिया गया था और आठ साल तक रॉटरडैम एकेडमी ऑफ फाइन आर्ट्स एंड टेक्नीक्स में शाम की कक्षाओं में भाग लिया। उन्होंने 1926 में यूएसए में प्रवेश किया और 1936 में पूरे समय की पेंटिंग शुरू की।

डी कूनिंग की चित्रकला शैली सार अभिव्यक्ति थी। उन्होंने 1948 में न्यूयॉर्क में चार्ल्स एगन गैलरी में अपनी पहली एकल प्रदर्शनी का आयोजन किया, जिसमें ब्लैक-एंड-व्हाइट ग्रेमेल पेंट का काम था। (उन्होंने तामचीनी पेंट का उपयोग करना शुरू कर दिया क्योंकि वे कलाकार के रंजकों को बर्दाश्त नहीं कर सकते थे।) 1950 के दशक तक उन्हें पहचान मिली अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के नेताओं में से एक, हालांकि शैली के कुछ शुद्धतावादियों ने उनकी पेंटिंग (जैसे कि उनके महिला श्रृंखला) में मानव रूप से बहुत अधिक शामिल हैं।

उनके चित्रों में कई परतें होती हैं, तत्वों को ओवरलैप और छिपा दिया जाता है क्योंकि उन्होंने एक पेंटिंग को फिर से काम किया और पुन: बनाया। परिवर्तन दिखाने की अनुमति है। उन्होंने अपने कैनवस पर चारकोल में बड़े पैमाने पर आकर्षित किया, प्रारंभिक रचना के लिए और पेंटिंग करते समय। उनकी ब्रशवर्क स्ट्रोक के पीछे ऊर्जा की भावना के साथ, सुस्पष्ट, अभिव्यंजक, जंगली है। अंतिम चित्रों की झलक दिखती है लेकिन नहीं थी।

डी कूनिंग के कलात्मक उत्पादन में लगभग सात दशकों का समय था और इसमें चित्र, मूर्तियां, चित्र और प्रिंट शामिल थे। 1980 के दशक के उत्तरार्ध में उनकी अंतिम पेंटिंग का स्रोत। उनकी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग हैं गुलाबी एन्जिल्स (सी। 1945), उत्खनन (1950), और उनका तीसरा महिला श्रृंखला (1950–53) अधिक चित्रमय शैली और कामचलाऊ दृष्टिकोण में की गई। 1940 के दशक में उन्होंने अमूर्त और प्रतिनिधित्ववादी शैलियों में एक साथ काम किया। उनकी सफलता उनकी 1948-49 की श्वेत-श्याम अमूर्त रचनाओं के साथ हुई। १ ९ ५० के दशक के मध्य में उन्होंने शहरी अमूर्त चित्रों को चित्रित किया, १ ९ ६० के दशक में, फिर १ ९ ab० के दशक में बड़े गर्भकालीन अमूर्त में। 1980 के दशक में, डी कूनिंग ने चिकनी सतहों पर काम करना बदल दिया, जो कि भयावह चित्रों के टुकड़ों पर चमकीले, पारदर्शी रंगों के साथ चमकता था।

अमेरिकन गोथिक - ग्रांट वुड

अमेरिकन गोथिक शायद सभी चित्रों में सबसे प्रसिद्ध अमेरिकी कलाकार ग्रांट वुड है। यह अब शिकागो के कला संस्थान में है।

1930 में ग्रांट वुड ने "अमेरिकन गॉथिक" चित्रित किया। इसमें एक आदमी और उसकी बेटी को दिखाया गया है (उसकी पत्नी को नहीं¹) उनके घर के सामने खड़ा है। ग्रांट ने एलाडन, आयोवा में पेंटिंग को प्रेरित करने वाली इमारत को देखा। स्थापत्य शैली अमेरिकी गोथिक है, जो कि पेंटिंग का शीर्षक है। पेंटिंग के लिए मॉडल वुड की बहन और उनके दंत चिकित्सक थे।². पेंटिंग को कलाकार के नाम और वर्ष (ग्रांट वुड 1930) के साथ, आदमी के चौग़ा पर, निचले किनारे के पास साइन किया गया है।

पेंटिंग का क्या मतलब है? वुड ने इसका उद्देश्य मिडवेस्टर्न अमेरिकियों के चरित्र का एक गरिमापूर्ण प्रतिपादन किया, जो उनकी शुद्धतावादी नैतिकता को दर्शाता है। लेकिन इसे बाहरी लोगों को ग्रामीण आबादी की असहिष्णुता पर एक टिप्पणी (व्यंग्य) के रूप में माना जा सकता है। पेंटिंग में प्रतीकवाद में कठिन श्रम (पिचफ़र्क) और घरेलूता (फूल के बर्तन और औपनिवेशिक-प्रिंट एप्रन) शामिल हैं। यदि आप बारीकी से देखते हैं, तो आप आदमी के चौग़ा पर सिलाई में गूँजती हुई पिचकारियाँ की तीन छाँह देखेंगे, उसकी कमीज़ पर धारियाँ बनी रहेंगी।

^{स्रोत:
अमेरिकन गोथिक, आर्ट इंस्टीट्यूट ऑफ शिकागो, 23 मार्च 2011 को पुनः प्राप्त।}

"क्रॉ के सेंट जॉन" - साल्वाडोर डाली

इस पेंटिंग द्वारा साल्वाडोर डाली के संग्रह में है केल्विंग्रोव आर्ट गैलरी और संग्रहालय ग्लासगो, स्कॉटलैंड में। यह पहली बार 23 जून 1952 को गैलरी में शो के लिए गया था। पेंटिंग £ ​​8,200 के लिए खरीदी गई थी, जिसे एक उच्च कीमत के रूप में माना जाता था, भले ही इसमें कॉपीराइट शामिल था जिसने गैलरी को प्रजनन शुल्क कमाने के लिए सक्षम किया है (और अनगिनत पोस्टकार्ड बेचने के लिए!)।
डाली के लिए एक पेंटिंग को कॉपीराइट बेचना असामान्य था, लेकिन उसे पैसे की जरूरत थी। (कॉपीराइट तब तक कलाकार के पास रहता है जब तक उस पर हस्ताक्षर नहीं किए जाते हैं, देखें कलाकार का कॉपीराइट अक्सर पूछे जाने वाले प्रश्न.)

"वित्तीय कठिनाइयों में, दाली ने शुरू में £ 12,000 के लिए कहा, लेकिन कुछ कठिन सौदेबाजी के बाद... उन्होंने इसे लगभग एक तिहाई कम में बेचा और 1952 में शहर के [ग्लासगो] के एक पत्र पर हस्ताक्षर करते हुए कॉपीराइट को रद्द कर दिया।

पेंटिंग का शीर्षक ड्राइंग का एक संदर्भ है जिसने डाली को प्रेरित किया। पेन एंड इंक ड्राइंग क्रॉस ऑफ़ द विज़न सेंट जॉन ऑफ़ द क्रॉस (एक स्पैनिश कार्मेलाइट फ़र, 1542–1591) के बाद किया गया था, जिसमें उन्होंने क्राइस्ट के क्रूस को ऐसे देखा था मानो वे इसे ऊपर से देख रहे हों। रचना मसीह के क्रूस के असामान्य दृष्टिकोण के लिए हड़ताली है, प्रकाश नाटकीय रूप से मजबूत है छैया छैया, और महान उपयोग से बना है अग्रणी आकृति में। पेंटिंग के निचले भाग का परिदृश्य स्पेन में डेली के गृहनगर पोर्ट लिलिगाट का बंदरगाह है।
पेंटिंग कई मायनों में विवादास्पद रही है: इसके लिए भुगतान की गई राशि; विषय सामग्री; शैली (जो आधुनिक के बजाय रेट्रो दिखाई दी)। गैलरी की वेबसाइट पर पेंटिंग के बारे में और पढ़ें।

स्रोत:
"द आर्टिअल लाइसेंस का एक असली मामला और डेली इमेजेज का युद्ध"सेवेरिन कैरेल द्वारा, अभिभावक, 27 जनवरी 2009

कैंपबेल के सूप कैन - एंडी वारहोल

विस्तार से एंडी वारहोल कैंपबेल के सूप डिब्बे. कैनवास पर एक्रिलिक। 32 चित्र प्रत्येक 20x16 "(50.8x40.6 सेमी)। के संग्रह में आधुनिक कला संग्रहालय (MoMA) न्यूयॉर्क में।
वारहोल ने पहली बार 1962 में कैंपबेल के सूप की अपनी श्रृंखला का प्रदर्शन किया था, जिसमें प्रत्येक पेंटिंग के निचले हिस्से में एक शेल्फ पर आराम कर सकते हैं जैसे कि एक सुपरमार्केट में होगा। श्रृंखला में 32 पेंटिंग हैं, कैम्पबेल द्वारा उस समय बेची जाने वाली सूप की किस्मों की संख्या।
यदि आप सूप के डिब्बे के साथ अपने पेंट्री को स्टॉक करने के लिए वॉरहोल की कल्पना करते हैं, तो एक कैन को खाने से वह पेंटिंग खत्म कर सकता है, अच्छी तरह से ऐसा नहीं लगता है। मोमा की वेबसाइट के अनुसार, वारहोल ने प्रत्येक पेंटिंग को एक अलग स्वाद प्रदान करने के लिए कैम्पबेल के उत्पाद सूची का उपयोग किया।
इसके बारे में पूछे जाने पर, वारहोल ने कहा:

“मैं इसे पीता था। मैं हर दिन एक ही दोपहर का भोजन करता था, बीस साल तक, मुझे लगता है, एक ही चीज बार-बार।¹

वारहोल के पास भी स्पष्ट रूप से एक आदेश नहीं था कि वह उन चित्रों को प्रदर्शित करना चाहता था। मोमा चित्रों को "पंक्तियों में प्रदर्शित करता है जो कालानुक्रमिक क्रम को दर्शाता है जिसमें [सूप्स] पेश किए गए थे, जिनकी शुरुआत ऊपरी बाएँ में 'टमाटर' से हुई थी, जो 1897 में शुरू हुआ था।"

इसलिए यदि आप एक श्रृंखला पेंट करते हैं और उन्हें एक विशेष क्रम में प्रदर्शित करना चाहते हैं, तो सुनिश्चित करें कि आप कहीं न कहीं इस पर ध्यान दें। कैनवस का पिछला किनारा संभवत: सबसे अच्छा है क्योंकि यह पेंटिंग से अलग नहीं होगा (हालांकि यह पेंट छिपाए जाने पर छिपा हो सकता है)।
वारहोल एक कलाकार है जो अक्सर चित्रकारों द्वारा व्युत्पन्न कार्यों को बनाने के लिए उल्लेख किया जाता है। दो चीजें समान काम करने से पहले ध्यान देने योग्य हैं:

1. पर मोमा की वेबसाइट, कैंपबेल के सूप सह (यानी, सूप कंपनी और कलाकार की संपत्ति के बीच एक लाइसेंसिंग समझौता) से लाइसेंस का संकेत है।
2. लगता है कि कॉपीराइट प्रवर्तन वॉरहोल के दिन में कम हो गया है। वारहोल के काम के आधार पर कॉपीराइट की धारणा न बनाएं। एक संभावित कॉपीराइट उल्लंघन मामले के बारे में अपने शोध करें और निर्णय लें कि आपकी चिंता का स्तर क्या है।

कैंपबेल ने वारहोल को पेंटिंग्स करने के लिए कमीशन नहीं दिया (हालांकि बाद में उन्होंने 1964 में एक रिटायरिंग बोर्ड के अध्यक्ष के लिए कमीशन किया) और 1962 में वॉरहोल के चित्रों में जब ब्रांड दिखाई दिया तो चिंता थी कि वेट-एंड-एप्रोच को अपनाकर जज को क्या जवाब देना है। चित्रों। 2004, 2006 और 2012 में कैम्पबेल के विशेष वॉरहोल स्मारक लेबल के साथ बेचा गया।

<sub>स्रोत:
1. जैसा कि उद्धृत किया गया है मोमा, 31 अगस्त 2012 को पहुँचा।</sub>

वॉटर के पास बड़ा पेड़ - डेविड हॉकनी

ऊपर: कलाकार डेविड हॉकनी अपनी तेल चित्रकला "बिग ट्रीज़ नियर वॉटर" के हिस्से के साथ खड़े थे, जिसे उन्होंने अप्रैल 2008 में टेट ब्रिटेन को दान किया था।
तल: पेंटिंग को पहली बार लंदन में रॉयल अकादमी में 2007 की ग्रीष्मकालीन प्रदर्शनी में प्रदर्शित किया गया था, जो पूरी दीवार पर लगी थी।
डेविड हॉकनी की तेल चित्रकला "बिग ट्रीज़ नियर वॉटर" (जिसे भी कहा जाता है एन पिलेयर एन प्लेन एयर ने लेजेज पोस्ट-फ़ोटोग्राफ़िक डाला) यॉर्कशायर के ब्रिजलिंगटन के पास एक दृश्य को दर्शाता है। 50 कैनवस से बनाई गई पेंटिंग एक दूसरे के साथ व्यवस्थित थी। एक साथ जोड़ा गया, पेंटिंग का समग्र आकार 40x15 फीट (4.6x12 मीटर) है।
जब हॉकनी ने इसे चित्रित किया, तो यह सबसे बड़ा टुकड़ा था जिसे उसने कभी पूरा किया, हालांकि पहले वह कई कैनवस का उपयोग करके नहीं बना था।

" मैंने ऐसा किया क्योंकि मुझे एहसास हुआ कि मैं इसे बिना सीढ़ी के कर सकता हूं। जब आप पेंटिंग कर रहे होते हैं तो आपको कदम पीछे खींचने में सक्षम होना चाहिए। खैर, ऐसे कलाकार हैं जिन्हें सीढ़ी से वापस जाने के लिए मार दिया गया है, क्या वे नहीं हैं?"
- हॉकनी ने एक में उद्धृत किया रॉयटर समाचार रिपोर्ट, 7 अप्रैल 2008।

हॉकनी ने रचना और पेंटिंग की सहायता के लिए चित्र और एक कंप्यूटर का उपयोग किया। एक खंड पूरा होने के बाद, एक तस्वीर ली गई थी ताकि वह कंप्यूटर पर पूरी पेंटिंग देख सके।

"सबसे पहले, हॉकनी ने एक ग्रिड को दिखाते हुए दिखाया कि यह दृश्य 50 पैनलों से अधिक कैसे फिट होगा। फिर उन्होंने सीटू में व्यक्तिगत पैनलों पर काम करना शुरू किया। जैसा कि उन्होंने उन पर काम किया था, उन्हें फोटो खिंचवाने और एक कंप्यूटर मोज़ेक में बनाया गया था ताकि वह अपनी प्रगति को चार्ट कर सके, क्योंकि वह किसी भी समय दीवार पर केवल छह पैनल रख सकता था। "

स्रोत:
शार्लेट हिगिंस, अभिभावक कला संवाददाता, हॉकनी टेट को बहुत बड़ा काम दान करते हैं, 7 अप्रैल 2008।

हेनरी मूर की युद्ध पेंटिंग

हेनरी मूर प्रदर्शनी लंदन में टेट ब्रिटेन गैलरी में 24 फरवरी से 8 अगस्त 2010 तक चला।

ब्रिटिश कलाकार हेनरी मूर अपनी मूर्तियों के लिए सबसे प्रसिद्ध हैं, लेकिन उनकी स्याही, मोम और के लिए भी जाना जाता है द्वितीय विश्व युद्ध के दौरान लंदन के अंडरग्राउंड स्टेशनों में शरण लिए हुए लोगों के जल रंग चित्र। मूर एक आधिकारिक युद्ध कलाकार और 2010 था हेनरी मूर प्रदर्शनी टेट ब्रिटेन गैलरी में इन को समर्पित एक कमरा है। 1940 की शरद ऋतु और 1941 की गर्मियों के बीच बनाया गया था, ट्रेन में सोने के उनके चित्रण चित्रण से प्रभावित हुए सुरंगों ने पीड़ा की भावना को पकड़ लिया जिसने उनकी प्रतिष्ठा को बदल दिया और की लोकप्रिय धारणा को प्रभावित किया ब्लिट्ज। 1950 के दशक के उनके काम ने युद्ध के बाद और आगे के संघर्ष की संभावना को दर्शाया।
मूर यॉर्कशायर में पैदा हुए और प्रथम विश्व युद्ध में सेवा करने के बाद, 1919 में लीड्स स्कूल ऑफ आर्ट में अध्ययन किया। 1921 में उन्होंने लंदन के रॉयल कॉलेज में छात्रवृत्ति जीती। बाद में उन्होंने रॉयल कॉलेज और साथ ही चेल्सी स्कूल ऑफ आर्ट में पढ़ाया। 1940 से मूर हर्टफोर्डशायर के पेरी ग्रीन में रहते थे, जो अब घर है हेनरी मूर फाउंडेशन. 1948 में वेनिस बिएनले में, मूर ने अंतर्राष्ट्रीय मूर्तिकला पुरस्कार जीता।

"फ्रैंक" - चक बंद

चक बंद, 1969 द्वारा "फ्रैंक"। कैनवास पर एक्रिलिक। आकार 108 x 84 x 3 इंच (274.3 x 213.4 x 7.6 सेमी)। में मिनियापोलिस इंस्टीट्यूट ऑफ आर्ट.

ल्यूसियन फ्रायड सेल्फ-पोर्ट्रेट और फोटो पोर्ट्रेट

कलाकार लुकियन फ्रायड अपने गहन, अदम्य टकटकी के लिए प्रसिद्ध है, लेकिन जैसा कि यह स्व-चित्र दिखाता है, वह इसे अपने मॉडल नहीं, बल्कि खुद पर बदल देता है।

1. "मुझे लगता है कि एक महान चित्र के साथ क्या करना है... भावना और व्यक्तित्व और संबंध की तीव्रता और विशिष्ट पर ध्यान केंद्रित। ” ¹
2. "... आपको अपने आप को एक अन्य व्यक्ति के रूप में चित्रित करने की कोशिश करनी है। आत्म-चित्रों के साथ 'समानता' एक अलग चीज बन जाती है। मुझे वह करना है जो मैं एक अभिव्यक्तिवादी के बिना महसूस करता हूं। ” ²

<sup>स्रोत:
1. ल्यूसियन फ्रायड, फ्रायड एट वर्क p32-3 में उद्धृत किया गया है। 2. लुसियन फ्रायड ने लुसी फ्रायड में विलियम फेवर (टेट पब्लिशिंग, लंदन 2002), पृष्ठ 43 द्वारा उद्धृत किया।</sup>

"मोना लिसा के पिता" - मैन रे

मैन रे, 1967 द्वारा "मोना लिसा के पिता"। सिगारबोर्ड पर घुड़सवार ड्राइंग का प्रजनन, सिगार के साथ जोड़ा गया। आकार 18 x 13 5/8 x 2 5/8 इंच (45.7 x 34.6 x 6.7 सेमी)। के संग्रह में हिरशोर्न संग्रहालय.
कई लोग मैन रे को केवल फोटोग्राफी से जोड़ते हैं, लेकिन वह एक कलाकार और चित्रकार भी थे। वह कलाकार मार्सेल डुचैम्प के साथ दोस्त थे और उनके साथ मिलकर काम करते थे।
मई 1999 में, कला समाचार पत्रिका ने मैन रे को उनकी फोटोग्राफी और "फिल्म, पेंटिंग, मूर्तिकला, कोलाज, असेंबलिंग के अन्वेषण" के लिए 20 वीं शताब्दी के 25 सबसे प्रभावशाली कलाकारों की सूची में शामिल किया। इन प्रोटोटाइपों को अंततः प्रदर्शन कला और वैचारिक कला कहा जाएगा। "

कला समाचार ने कहा:

"मैन रे ने सभी मीडिया में कलाकारों को रचनात्मक बुद्धिमत्ता का एक उदाहरण पेश किया, जो 'आनंद और स्वतंत्रता की खोज में' [मैन रे की कथित खोज है सिद्धांतों] ने हर उस दरवाजे को खोला जो स्वतंत्र रूप से आता था और जहाँ वह जाता था, वहाँ चला जाता था। " कोलमैन।)

यह टुकड़ा, "मोना लिसा के पिता" से पता चलता है कि एक अपेक्षाकृत सरल विचार कैसे प्रभावी हो सकता है। कठिन हिस्सा पहली जगह में विचार के साथ आ रहा है; कभी-कभी वे प्रेरणा के फ्लैश के रूप में आते हैं; कभी-कभी विचारों के मंथन के भाग के रूप में; कभी-कभी किसी अवधारणा या विचार को विकसित करने और उसका पीछा करने से।

प्रसिद्ध चित्रकार: यवेस क्लेन

पूर्वव्यापी: वाशिंगटन, अमेरिका के हिर्शहॉर्न संग्रहालय में यवेस क्लेन प्रदर्शनी, 20 मई 2010 से 12 सितंबर 2010 तक।

कलाकार यवेस क्लेन संभवतः अपने विशेष नीले रंग के लिए अपनी मोनोक्रोमैटिक कलाकृतियों के लिए सबसे प्रसिद्ध है (उदाहरण के लिए "लिविंग पेंटब्रश" देखें)। IKB या अंतर्राष्ट्रीय क्लेन ब्लू एक अल्ट्रामैरिन ब्लू है जिसे उसने तैयार किया था।

खुद को "अंतरिक्ष का चित्रकार" कहते हुए, "क्लेन" ने शुद्ध रंग के माध्यम से सारहीन आध्यात्मिकता प्राप्त करने की कोशिश की "और खुद को" कला की वैचारिक प्रकृति के समकालीन विचार "के साथ संबंधित किया।¹.

क्लेन का अपेक्षाकृत कम करियर था, दस साल से भी कम। उनका पहला सार्वजनिक काम एक कलाकार की किताब थी यीव्स पेइन्चर ("यव्स पेंटिंग"), 1954 में प्रकाशित। 1955 में उनकी पहली सार्वजनिक प्रदर्शनी थी। 1962 में 34 वर्ष की आयु में दिल का दौरा पड़ने से उनकी मृत्यु हो गई। (क्लेन के जीवन की समयरेखा से यवेस क्लेन अभिलेखागार.)

<sub>स्रोत:
1. यवेस क्लेन: विद विद, फुल पावर्स, हिरशोर्न म्यूज़ियम, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? कुंजी = 21 और उपकुंजी = 252, 13 मई 2010 को एक्सेस किया गया।</sub>

"लिविंग पेंटब्रश" - यवेस क्लेन

फ्रांसीसी कलाकार द्वारा यह पेंटिंग यवेस क्लेन (१ ९२ did-१९ ६२) उन श्रृंखलाओं में से एक है जिसका उन्होंने "जीवित तूलिका" का उपयोग किया। उन्होंने अपने हस्ताक्षर नीले रंग (इंटरनेशनल) के साथ नग्न महिलाओं के मॉडल को कवर किया क्लेन ब्लू, IKB) और फिर दर्शकों के सामने प्रदर्शन कला के एक टुकड़े में "चित्रित" उनके साथ कागज की बड़ी शीट पर उन्हें निर्देशित करते हुए मौखिक रूप से।
शीर्षक "ANT154" एक कला समीक्षक पियरे रेस्टानी द्वारा वर्णित एक टिप्पणी से लिया गया है चित्रों को "नीली अवधि के मानवविज्ञानी" के रूप में निर्मित किया गया। क्लेन एक श्रृंखला के रूप में संक्षिप्त ANT का उपयोग किया शीर्षक।

ब्लैक पेंटिंग - विज्ञापन रेनहार्ड्ट

"रंग के बारे में कुछ गलत, गैर जिम्मेदार और नासमझ है; कुछ असंभव को नियंत्रित करने के लिए। नियंत्रण और तर्कसंगतता मेरी नैतिकता का हिस्सा है। ” - 1960 में एड रेइनहार्ड ¹

अमेरिकी कलाकार एड रेइनहार्ट (1913-1967) की यह मोनोक्रोम पेंटिंग न्यूयॉर्क के म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट (मोमा) में है। यह 60x60 "(152.4x152.4cm), कैनवास पर तेल, और 1960-61 में चित्रित किया गया था। पिछले एक दशक और अपने जीवन के दौरान (1967 में उनकी मृत्यु हो गई), रेनहार्ड्ट ने अपने चित्रों में सिर्फ काले रंग का इस्तेमाल किया।
एमी सिया, जिसने फोटो खींची, कहते हैं कि अशर इस ओर इशारा कर रहा है कि कैसे पेंटिंग को नौ वर्गों में विभाजित किया गया है, प्रत्येक को काले रंग की एक अलग छाया दी गई है।
चिंता न करें अगर आप इसे फोटो में नहीं देख सकते हैं। जब आप पेंटिंग के सामने हों तब भी इसे देखना मुश्किल है। उसमे रेनहार्ड्ट पर निबंध गुगेनहाइम के लिए, नैन्सी स्पेक्टर ने रेइनहार्डट के कैनवस को "मौन काले वर्ग वाले हैं जिन्हें मुश्किल से समझ में आने वाली क्रूसिफ़ॉर्म आकृतियों के रूप में वर्णित किया है [कि] दृश्यता की सीमाओं को चुनौती" ².
<sup>स्रोत:
1. कला में रंग जॉन गेज द्वारा, p205
2. नैन्सी स्पेक्टर, गुनगेनहाइम संग्रहालय द्वारा पुनर्वितरित (5 अगस्त 2013 को एक्सेस किया गया)</sup>

जॉन सदाचार की लंदन पेंटिंग

ब्रिटिश कलाकार जॉन सदाचार ने 1978 से अब तक काले और सफेद रंग के साथ अमूर्त परिदृश्य चित्रित किए हैं। लंदन नेशनल गैलरी द्वारा निर्मित एक डीवीडी पर, पुण्य कहते हैं कि काले और सफेद रंग में काम करना उसे "आविष्कारशील होने के लिए... सुदृढ़ करने के लिए।" Eschewing रंग "गहरा वहाँ क्या रंग है की मेरी भावना... वास्तव में मैं क्या देख रहा हूँ की भावना... सबसे अच्छा और अधिक सही और अधिक तेल का एक पैलेट नहीं होने से अवगत कराया है रंग। रंग एक पाक डी थैली होगा। "
यह जॉन सदाचार की लंदन पेंटिंग में से एक है, जब वह नेशनल गैलरी (2003 से 2005 तक) में एक सहयोगी कलाकार थे। नेशनल गैलरी की वेबसाइट पुण्य चित्रों का वर्णन "प्राच्य ब्रश-पेंटिंग और अमेरिकी अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के साथ संपन्नता" और "महान अंग्रेजी" से निकटता से संबंधित है परिदृश्य चित्रकारों, टर्नर और कांस्टेबल, जिन्हें पुण्य काफी प्रशंसा करता है "रूसीडेल, कोनिंक और" डच और फ्लेमिश परिदृश्य से प्रभावित होने के साथ-साथ। रगड़ता है ”।
पुण्य अपने चित्रों को शीर्षक नहीं देता है, बस संख्या। अप्रैल 2005 के अंक में एक साक्षात्कार में कलाकार और चित्रकार पत्रिका, सदाचार का कहना है कि उन्होंने 1978 में अपने काम को कालानुक्रमिक रूप से वापस करना शुरू किया जब उन्होंने मोनोक्रोम में काम करना शुरू किया:

"कोई पदानुक्रम नहीं है। इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि यह 28 फीट या तीन इंच है। यह मेरे अस्तित्व की गैर-मौखिक डायरी है। "

उनके चित्रों को केवल "लैंडस्केप नंबर 45" या "लैंडस्केप नंबर.630" कहा जाता है।

द आर्ट बिन - माइकल लैंडी

आर्टिस्ट माइकल लैंडी द्वारा आर्ट बिन प्रदर्शनी हुई दक्षिण लंदन गैलरी 29 जनवरी से 14 मार्च 2010 तक। अवधारणा एक विशाल (600 मीटर) है³) गैलरी-अंतरिक्ष में निर्मित अपशिष्ट-बिन, जिसमें कला को फेंक दिया जाता है, "रचनात्मक विफलता का स्मारक"¹.
लेकिन कोई पुरानी कला नहीं; आपको अपनी कला को बिन या ऑनलाइन या गैलरी में फेंकने के लिए आवेदन करना था, माइकल लैंडी या उनके किसी प्रतिनिधि ने यह निर्णय लेने के लिए कि इसे शामिल किया जा सकता है या नहीं। यदि स्वीकार किया जाता है, तो इसे एक छोर पर एक टॉवर से बिन में फेंक दिया गया था।

जब मैं प्रदर्शनी में था, तो कई टुकड़ों को फेंक दिया गया था, और टॉस करने वाले व्यक्ति के पास था जिस तरह से वह एक पेंटिंग ग्लाइड को दूसरी तरफ करने के लिए सही तरीके से बनाने में सक्षम था कंटेनर।
कला व्याख्या कब / क्यों कला को अच्छा (या बकवास) माना जाता है, इस विषय में नीचे की ओर जाता है मूल्य कला के लिए, कला संग्रह का कार्य, कला संग्राहकों और कलाकारों को बनाने या तोड़ने के लिए दीर्घाओं की शक्ति करियर।

यह निश्चित रूप से पक्षों के साथ चलना दिलचस्प था कि क्या फेंका गया था, क्या टूट गया था (बहुत सारे पॉलीस्टायर्न टुकड़े), और क्या नहीं था (कैनवास पर अधिकांश पेंटिंग पूरे थे)। नीचे कहीं पर डेमियन हेयरस्ट द्वारा ग्लास से सजाया गया और ट्रेसी एमिन द्वारा एक टुकड़ा था। अंततः, क्या पुनर्नवीनीकरण किया जा सकता है (उदाहरण के लिए कागज और कैनवास स्ट्रेचर) और बाकी लैंडफिल में जाने के लिए किस्मत में थे। बकवास के रूप में दफन, एक पुरातत्वविद् द्वारा अब से सदियों तक खोदने की संभावना नहीं है।

_{स्रोत:
1&2. # माइकल लैंडी: आर्ट बिन ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? आईडी = 164), दक्षिण लंदन गैलरी वेबसाइट, 13 मार्च 2010 को एक्सेस की गई।}

बराक ओबामा - शेपर्ड फैरी

अमेरिका के राजनेता बराक ओबामा की यह पेंटिंग, मिक्स-मीडिया स्टेंकेड कोलाज, लॉस एंजिल्स स्थित स्ट्रीट कलाकार, द्वारा बनाई गई थी। शेपर्ड फैरी. यह ओबामा के 2008 के राष्ट्रपति चुनाव अभियान में केंद्रीय पोर्ट्रेट छवि का उपयोग किया गया था, और एक सीमित-संस्करण प्रिंट और मुफ्त डाउनलोड के रूप में वितरित किया गया था। यह अब वाशिंगटन डीसी में नेशनल पोर्ट्रेट गैलरी में है।

1. "अपने ओबामा पोस्टर (जो उसने एक सप्ताह से भी कम समय में बनाया था) बनाने के लिए, फेयरी ने इंटरनेट से उम्मीदवार की एक तस्वीर खींची। उन्होंने ओबामा की तलाश की जो राष्ट्रपति के रूप में देखा गया ...। कलाकार ने फिर लाइनों और ज्यामिति को सरल बनाया, एक लाल, सफेद और नीले रंग के देशभक्ति के पैलेट (जो वह सफेद बेज और नीले एक पस्टेल शेड बनाकर खेलता है) को नियोजित करता है... बोल्डफेस शब्द ...
2. "उनके ओबामा पोस्टर (और उनके वाणिज्यिक और ललित कला के बहुत सारे काम) तकनीकों की पुनरावृत्ति हैं क्रांतिकारी प्रचारक - चमकदार रंग, बोल्ड लेटरिंग, जियोमेट्रिक सादगी, वीर श्लोक। "

स्रोत: ​
"ओबामा ऑन-द-वॉल एंडोर्समेंट" विलियम बूथ द्वारा, वाशिंगटन पोस्ट 18 मई 2008।

"रिडेमीम, व्हाइट रोज़्स एंड बटरफ्लाइज़" - डेमियन हेयरस्ट

ब्रिटिश कलाकार डेमियन हेयरस्ट अपने फॉर्मेल्डिहाइड में संरक्षित जानवरों के लिए सबसे प्रसिद्ध हैं, लेकिन अपने शुरुआती 40 के दशक में तेल चित्रकला में लौट आए। अक्टूबर 2009 में उन्होंने पहली बार 2006 से 2008 के बीच लंदन में बनाए गए चित्रों का प्रदर्शन किया। यह एक प्रसिद्ध कलाकार द्वारा एक नहीं अभी तक प्रसिद्ध पेंटिंग का एक उदाहरण है प्रदर्शनी लंदन में वालेस संग्रह में "नो लव लॉस्ट।" (तिथियाँ: 12 अक्टूबर 2009 से 24 जनवरी 2010 तक)
बीबीसी समाचार हेयरस्ट के हवाले से कहा गया है।

"वह अब पूरी तरह से हाथ से पेंटिंग कर रहा है", कि दो साल से उसकी "पेंटिंग शर्मनाक थी और मैं नहीं चाहता था।" किसी को भी अंदर आने के लिए। "और यह कि उसे" पहली बार फिर से सीखना पड़ा क्योंकि वह एक किशोर कला थी छात्र।"¹

वालेस प्रदर्शनी के साथ प्रेस विज्ञप्ति में कहा गया है:

"" ब्लू पेंटिंग्स 'अपने काम में एक साहसिक नई दिशा का गवाह है; चित्रों की एक श्रृंखला, कलाकार के शब्दों में 'अतीत से गहराई से जुड़ी होती है।'

कैनवस पर पेंट डालना निश्चित रूप से हिस्ट के लिए एक नई दिशा है और जहां हर्ट जाते हैं, कला के छात्रों का अनुसरण करने की संभावना है। ऑयल पेंटिंग फिर से ट्रेंडी बन सकती है।
About.com की गाइड टू लंदन ट्रैवल, लॉरा पोर्टर, हेयरस्ट की प्रदर्शनी के प्रेस प्रीव्यू में गई और मुझे एक सवाल का जवाब मिला, जिसे मैं जानना चाहती थी: वह कौन से नीले वर्णक का उपयोग कर रहा था?

लॉरा को बताया गया कि यह "हल्का नीला केवल 25 चित्रों में से एक को छोड़कर, जो काला है। "कोई आश्चर्य नहीं कि यह इतना गहरा, सुलगनेवाला नीला है!
कला समीक्षक एड्रियन सियरल अभिभावक Hirst के चित्रों के बारे में बहुत अनुकूल नहीं था:

"इसकी सबसे खराब स्थिति में, हेयरस्ट की ड्राइंग सिर्फ शौकिया और किशोर दिखती है। उनके ब्रशवर्क में उस ओम्फ और पैनकेक का अभाव है जो आपको चित्रकार के झूठ पर विश्वास करने पर मजबूर करता है। वह अभी तक इसे बंद नहीं कर सकता।²

<sub>स्रोत:
1 प्यास 'जानवरों को चुनती है', बीबीसी समाचार, 1 अक्टूबर 2009
2. "डेमियन हेयरस्ट की पेंटिंग्स डेडली डल हैं, "एड्रियन Searle, अभिभावक, 14 अक्टूबर 2009।</sub>

प्रसिद्ध कलाकार: एंटनी गोर्मले

एंटनी गोर्मले एक ब्रिटिश कलाकार हैं, जो 1998 में अपनी मूर्तिकला परी ऑफ द नॉर्थ के लिए सबसे प्रसिद्ध हैं, जिसका अनावरण 1998 में किया गया था। यह टाइनसाइड, पूर्वोत्तर इंग्लैंड में खड़ा है, एक साइट पर जो कभी एक कोलियरी थी, अपने 54 मीटर के नाव के पंखों के साथ आपका स्वागत करती है।
जुलाई 2009 में लंदन में ट्राफलगर स्क्वायर पर फोर्थ प्लिंथ पर गोर्ले की स्थापना कलाकृति में 100 दिनों के लिए 24 घंटे एक स्वयंसेवक को एक घंटे के लिए खड़े देखा गया। ट्राफलगर स्क्वायर पर अन्य प्लिनथ्स के विपरीत, राष्ट्रीय गैलरी के बाहर सीधे चौथे प्लिंथ, उस पर एक स्थायी प्रतिमा नहीं है। प्रतिभागियों में से कुछ स्वयं कलाकार थे, और उन्होंने अपने असामान्य दृष्टिकोण (फोटो) को स्केच किया।
एंटनी गोर्मले का जन्म 1950 में लंदन में हुआ था। उन्होंने 1977 से 1979 के बीच लंदन में स्लेड स्कूल ऑफ आर्ट में मूर्तिकला पर ध्यान केंद्रित करने से पहले यूके और भारत और श्रीलंका में बौद्ध धर्म के विभिन्न कॉलेजों में अध्ययन किया। उनकी पहली एकल प्रदर्शनी 1981 में व्हिटचैपल आर्ट गैलरी में हुई थी। 1994 में गोर्मले ने अपने "फील्ड फॉर द ब्रिटिश आइल्स" के साथ टर्नर पुरस्कार जीता।
उस पर उनकी जीवनी वेबसाइट कहते हैं:

... एंटनी गोर्मले ने मूर्तिकला में शरीर की एक मौलिक जांच के माध्यम से मूर्तिकला में मानव छवि को पुनर्जीवित किया है, विषय, उपकरण और सामग्री के रूप में अपने स्वयं के शरीर का उपयोग करते हुए। 1990 के बाद से उन्होंने सामूहिक शरीर और बड़े पैमाने पर स्वयं और अन्य के बीच संबंधों का पता लगाने के लिए मानवीय स्थिति के साथ अपनी चिंता का विस्तार किया है ...

Gormley उस प्रकार की आकृति नहीं बना रहा है जो वह करता है क्योंकि वह पारंपरिक शैली की मूर्तियाँ नहीं कर सकता है। इसके बजाय वह अंतर से खुशी लेता है और उनकी क्षमता हमें उनकी व्याख्या करने के लिए देती है। के साथ एक साक्षात्कार में कई बार¹, उन्होंने कहा:

"पारंपरिक प्रतिमाएं संभावित के बारे में नहीं हैं, लेकिन कुछ के बारे में जो पहले से ही पूरी हो चुकी हैं। उनके पास एक नैतिक अधिकार है जो सहयोगी के बजाय दमनकारी है। मेरे काम उनकी शून्यता को स्वीकार करते हैं। "

^{स्रोत:
एंटनी गोर्मले, द मैन हू ब्रोच द मोल्ड द जॉन-पॉल फ्लिंटॉफ, द टाइम्स, 2 मार्च 2008।}

प्रसिद्ध समकालीन ब्रिटिश चित्रकार

बाएं से दाएं, कलाकार बॉब और रॉबर्ट स्मिथ, बिल वुड्रो, पाउला रेगो, माइकल क्रेग-मार्टिन, मैगी जुआ, ब्रायन क्लार्क, कैथी डे मोन्चू, टॉम फिलिप्स, बेन जॉनसन, टॉम हंटर, पीटर ब्लेक, और एलिसन वाट।
मौका था पेंटिंग देखने का डायना और एक्टन लंदन में नेशनल गैलरी में टिटियन (अनदेखी, बाईं ओर) द्वारा पेंटिंग के लिए पेंटिंग खरीदने के लिए धन जुटाने के उद्देश्य से।

प्रसिद्ध कलाकार: ली रोजनर और जैक्सन पोलक

इन दोनों चित्रकारों में से, जैक्सन पोलक ली कसनर की तुलना में अधिक प्रसिद्ध है, लेकिन उनकी कलाकृतियों के समर्थन और प्रचार के बिना, वह अच्छी तरह से उस कला समयरेखा में जगह नहीं पा सकता है जो वह करता है। दोनों एक अमूर्त अभिव्यक्तिवादी शैली में चित्रित हुए। क्रॉसलर ने अपने आप में महत्वपूर्ण प्रशंसा के लिए संघर्ष किया, बजाय केवल पोलक की पत्नी के रूप में माना जाता है। किसनर ने विरासत स्थापित करने के लिए एक विरासत छोड़ी पोलक-पेसर फाउंडेशन, जो दृश्य कलाकारों को अनुदान देता है।

लुई एस्टन नाइट की सीढ़ी चित्रफलक

लुई एस्टन नाइट (1873--1948) पेरिस में जन्मे अमेरिकी कलाकार थे, जो अपने परिदृश्य चित्रों के लिए जाने जाते थे। उन्होंने शुरू में अपने कलाकार पिता, डैनियल रिडवे नाइट के तहत प्रशिक्षण लिया। उन्होंने 1894 में पहली बार फ्रेंच सैलून में प्रदर्शन किया और अमेरिका में प्रशंसा प्राप्त करते हुए जीवन भर ऐसा करते रहे। उनकी पेंटिंग आफ्टरग्लो 1922 में व्हाइट हाउस के लिए संयुक्त राज्य अमेरिका के राष्ट्रपति वॉरेन हार्डिंग द्वारा खरीदा गया था।
इस तस्वीर से अमेरिकी कला के अभिलेखागार, दुर्भाग्य से, हमें एक स्थान नहीं देता है, लेकिन आपको यह सोचना होगा कि कोई भी कलाकार को उतारा जाए उसके चित्र-सीढ़ी और पेंट के साथ पानी या तो प्रकृति को देखने के लिए समर्पित था या काफी प्रदर्शन करनेवाला।

1897: एक महिला कला वर्ग

यह तस्वीर 1897 से अमेरिकी कला के अभिलेखागार प्रशिक्षक विलियम मेरिट चेस के साथ एक महिला कला वर्ग को दर्शाता है। उस युग में, पुरुषों और महिलाओं ने अलग-अलग कला कक्षाओं में भाग लिया, जहां, समय के कारण, महिलाएं भाग्यशाली थीं कि वे सभी को कला शिक्षा प्राप्त करने में सक्षम हो गईं।

आर्ट समर स्कूल c.1900

सेंट पॉल स्कूल ऑफ फाइन आर्ट्स की ग्रीष्मकालीन कक्षाओं में कला के छात्र, मेंडोटा, मिनेसोटा, शिक्षक B.1 Harwood के साथ c.1900 में फोटो खिंचवा रहे थे।
एक तरफ फैशन, बड़े सनहाट के लिए बहुत व्यावहारिक हैं बाहर की पेंटिंग क्योंकि यह आपकी आंखों से सूरज को बाहर रखता है और आपके चेहरे को धूप की कालिमा से बचाता है (जैसा कि एक लंबी आस्तीन वाला टॉप)।

"एक बोतल में नेल्सन का जहाज" - यंका शोनिबर

कभी-कभी यह एक कलाकृति का पैमाना होता है जो इसे नाटकीय प्रभाव देता है, जो विषय से कहीं अधिक है। Yinka Shonibar द्वारा "नेल्सन शिप इन ए बॉटल" एक ऐसा टुकड़ा है।

Yinka Shonibar द्वारा "नेल्सन शिप इन ए बॉटल" एक भी लंबी बोतल के अंदर 2.35 मीटर लंबा एक जहाज है। यह वाइस एडमिरल नेल्सन के प्रमुख, एचएमएस की 1:29 पैमाने की प्रतिकृति है विजय.
24 मई 2010 को लंदन में ट्राफलगर स्क्वायर में चौथे प्लिंथ पर "नेल्सन का जहाज" दिखाई दिया। चौथा प्लिंथ 1841 से 1999 तक खाली रहा, जब समकालीन कलाकृतियों की चल रही श्रृंखला में से पहला, विशेष रूप से प्लिंथ द्वारा कमीशन किया गया चौथा प्लिंथ कमीशन ग्रुप.
एंटनी गोर्मले द्वारा "नेल्सन शिप इन ए बॉटल" से पहले की कलाकृति वन एंड अदर थी, जिसमें एक अलग व्यक्ति घड़ी के चारों ओर एक घंटे के लिए, 100 दिनों के लिए खड़ा था।
2005 से 2007 तक आप मार्क क्विन की एक मूर्ति देख सकते हैं, एलिसन लैपर प्रेग्नेंट, और नवंबर 2007 से यह थॉमस स्कुट द्वारा एक होटल 2007 के लिए मॉडल था।
"नेल्सन शिप इन ए बॉटल" की पाल पर बने बैटिक डिज़ाइन को कैनवास पर कलाकार ने अफ्रीका और उसके इतिहास से प्रेरित होकर चित्रित किया था। बोतल 5x2.8 मीटर है, जो कि शीशे से नहीं बनाई गई है, और बोतल बड़ी होकर जहाज के निर्माण के लिए अंदर की ओर चढ़ाई करती है।