21 वीं सदी में चित्रकला के आनंद का हिस्सा अभिव्यक्ति के उपलब्ध रूपों की विस्तृत श्रृंखला है। 19 वीं और 20 वीं सदी के अंत में कलाकारों ने चित्रकला शैलियों में बड़ी छलांग लगाई। इन नवाचारों में से कई तकनीकी विकास से प्रभावित थे, जैसे धातु पेंट ट्यूब का आविष्कार और का विकास फोटोग्राफी, साथ ही साथ सामाजिक सम्मेलनों, राजनीति, और दर्शन में परिवर्तन के साथ-साथ दुनिया की घटनाओं में भी।
यह सूची कला की सात प्रमुख शैलियों को रेखांकित करती है (कभी-कभी "स्कूलों" या "आंदोलनों" के रूप में संदर्भित), दूसरों की तुलना में कुछ अधिक यथार्थवादी। यद्यपि आप मूल आंदोलन का हिस्सा नहीं होंगे - कलाकारों का समूह जो आम तौर पर एक ही साझा करते थे इतिहास में एक विशिष्ट समय के दौरान पेंटिंग शैली और विचार - आप अभी भी उन शैलियों में पेंट कर सकते हैं जो वे उपयोग करते थे। इन शैलियों के बारे में जानने और यह देखने के बाद कि उनमें काम करने वाले कलाकारों ने क्या बनाया है और फिर अपने आप को अलग-अलग तरीकों से प्रयोग करके, आप अपनी खुद की शैली का विकास और पोषण करना शुरू कर सकते हैं।
यथार्थवाद, जिसमें पेंटिंग का विषय स्टाइल या अमूर्त होने के बजाय वास्तविक चीज़ की तरह दिखता है, क्या शैली कई लोग सोचते हैं "सच्ची कला" के रूप में केवल जब करीबी जांच की जाती है तो ठोस रंग दिखाई देते हैं, कई रंगों के ब्रशस्ट्रोक की एक श्रृंखला के रूप में खुद को प्रकट करते हैं और मान।
यथार्थवाद चित्रकला की प्रमुख शैली रही है पुनर्जागरण काल. कलाकार अंतरिक्ष और गहराई का भ्रम पैदा करने के लिए परिप्रेक्ष्य का उपयोग करता है, रचना और प्रकाश व्यवस्था को सेट करता है ताकि विषय वास्तविक दिखाई दे। लियोनार्डो दा विंची की "मोना लीसा"शैली का एक उत्कृष्ट उदाहरण है।
पेंटरली शैली के रूप में दिखाई दिया औद्योगिक क्रांति 19 वीं शताब्दी के पहले छमाही में यूरोप बह गया। धातु पेंट ट्यूब के आविष्कार से मुक्त, जिसने कलाकारों को स्टूडियो के बाहर कदम रखने की अनुमति दी, चित्रकारों ने खुद पेंटिंग पर ध्यान देना शुरू किया। विषयों को वास्तविक रूप से प्रस्तुत किया गया था, हालांकि, चित्रकारों ने अपने तकनीकी काम को छिपाने के लिए कोई प्रयास नहीं किया।
जैसा कि इसके नाम से पता चलता है, पेंटिंग के कार्य पर जोर दिया गया है: ब्रशवर्क और वर्णक का चरित्र। इस शैली में काम करने वाले कलाकार इस बात को छिपाने की कोशिश नहीं करते हैं कि पेंट या ब्रश या अन्य उपकरण द्वारा पेंट में छोड़े गए चिह्नों को बनाने के लिए क्या उपयोग किया जाता है, जैसे कि पैलेट चाकू। की पेंटिंग हेनरी मैटिस इस शैली के उत्कृष्ट उदाहरण हैं।
1880 के दशक में यूरोप में प्रभाववाद का उदय हुआ, जहां क्लाउड मोनेट जैसे कलाकारों ने यथार्थवाद के विस्तार के माध्यम से नहीं बल्कि इशारे और भ्रम के साथ प्रकाश पर कब्जा करने की मांग की। रंग के बोल्ड स्ट्रोक्स को देखने के लिए आपको मोनेट के पानी के लिली या विन्सेन्ट वान गॉग के सूरजमुखी के करीब जाने की आवश्यकता नहीं है, हालांकि, इसमें कोई संदेह नहीं है कि आप क्या देख रहे हैं।
ऑब्जेक्ट्स अपने यथार्थवादी स्वरूप को बनाए रखते हैं फिर भी उनके बारे में जीवंतता है जो इस शैली के लिए अद्वितीय है। यह विश्वास करना कठिन है कि जब प्रभाववादी पहली बार अपने कामों को दिखा रहे थे, तो अधिकांश आलोचकों ने नफरत की और इसका मजाक उड़ाया। तब जो एक अधूरी और खुरदरी पेंटिंग शैली मानी जाती थी वह अब प्यारी और पूजनीय है।
इक्सप्रेस्सियुनिज़म तथा Fauvism ऐसी ही शैलियाँ हैं जो 20 वीं शताब्दी के अंत में स्टूडियो और दीर्घाओं में दिखाई देने लगीं। दोनों को उनके बोल्ड, अवास्तविक रंगों के उपयोग की विशेषता है जो जीवन को चित्रित करने के लिए नहीं चुना गया है, बल्कि यह, जैसा कि कलाकार को लगता है या प्रकट होता है।
दोनों शैली कुछ मायनों में भिन्न हैं। एडवर्ड मंच सहित अभिव्यक्तिवादियों ने रोजमर्रा की जिंदगी में भीषण और डरावनी चीजों को व्यक्त करने की कोशिश की, अक्सर हाइपर-स्टाइल वाले ब्रशवर्क और भयावह छवियों के साथ, जैसे कि वह अपने में बहुत प्रभाव डालते थे चित्र "चीख़."
फाउविस्ट्स ने रंग के अपने उपन्यास उपयोग के बावजूद, एक आदर्श या विदेशी प्रकृति में जीवन को चित्रित करने वाली रचनाएं बनाने की मांग की। हेनरी मैटिस के फ्रोलिंग डांसर्स या जॉर्ज ब्रैक के देहाती दृश्यों के बारे में सोचें।
20 वीं शताब्दी के पहले दशक यूरोप और अमेरिका में सामने आने के बाद, चित्रकला कम यथार्थवादी हुई। अमूर्त एक विषय के सार को चित्रित करने के बारे में है क्योंकि कलाकार दृश्य विवरण के बजाय इसे व्याख्या करता है। एक चित्रकार अपने प्रमुख रंग, आकार या पैटर्न के अनुसार विषय को कम कर सकता है पब्लो पिकासो तीन संगीतकारों की अपनी प्रसिद्ध भित्ति के साथ किया। कलाकार, सभी तेज रेखाएँ और कोण, कम से कम वास्तविक नहीं लगते हैं, फिर भी इसमें कोई संदेह नहीं है कि वे कौन हैं।
या एक कलाकार अपने संदर्भ से विषय को हटा सकता है या अपने पैमाने को बड़ा कर सकता है, जैसा कि जॉर्जिया ओ'कीफ़े ने अपने काम में किया था। उसके फूल और गोले, उनके ठीक विस्तार से छीन लिए गए और अमूर्त पृष्ठभूमि के खिलाफ तैरते हुए, काल्पनिक परिदृश्य के समान हो सकते हैं।
विशुद्ध रूप से अमूर्त काम, 1950 के सार एक्सप्रेशनवादी आंदोलन की तरह, सक्रिय रूप से यथार्थवाद को हिलाता है, व्यक्तिपरक के आलिंगन में। पेंटिंग का विषय या बिंदु उपयोग किए जाने वाले रंग हैं, बनावट कलाकृति में, और इसे बनाने के लिए नियोजित सामग्री।
जैक्सन पोलक की ड्रिप पेंटिंग कुछ को विशाल गड़बड़ की तरह लग सकती है, लेकिन कोई इनकार नहीं कर रहा है कि "नंबर 1 (लैवेंडर धुंध)" जैसे भित्ति चित्रों में एक गतिशील, गतिज गुण है जो आपके पास है ब्याज। अन्य अमूर्त कलाकारों, जैसे कि मार्क रोथको, ने अपने रंग को अपने विषय को सरल बनाया। रंग-क्षेत्र उनके 1961 के मास्टरवर्क की तरह काम करता है "ऑरेंज, रेड, एंड येलो" बस यही हैं: वर्णक के तीन ब्लॉक जिसमें आप खुद को खो सकते हैं।
1960 के दशक के अंत में और एक्सप्रेशन एक्सप्रेशनवाद की प्रतिक्रिया में 70 के दशक में फोटोरैलिज्म विकसित हुआ, जिसमें 1940 के दशक के बाद से कला का वर्चस्व था। यह शैली अक्सर वास्तविकता की तुलना में अधिक वास्तविक लगती है, जहां कोई विस्तार नहीं छोड़ा जाता है और कोई दोष महत्वहीन नहीं होता है।
कुछ कलाकार सटीक विवरणों को सही ढंग से कैप्चर करने के लिए कैनवास पर प्रोजेक्ट करके तस्वीरें कॉपी करते हैं। अन्य लोग इसे फ्रीहैंड करते हैं या प्रिंट या फोटो को बड़ा करने के लिए ग्रिड सिस्टम का उपयोग करते हैं। सबसे प्रसिद्ध फ़ोटोरियलिस्टिक चित्रकारों में से एक चक बंद है, जिसके साथी कलाकारों और मशहूर हस्तियों के भित्ति-आकार वाले हेडशॉट स्नैपशॉट पर आधारित हैं।