मूल और सार कला के स्कूल

सार कला (कभी-कभी कहा जाता है गैर-विशेषण कला) एक पेंटिंग या मूर्तिकला है जो प्राकृतिक दुनिया में किसी व्यक्ति, स्थान या चीज का चित्रण नहीं करती है। अमूर्त कला के साथ, काम का विषय वह है जो आप देखते हैं: रंग, आकार, ब्रशस्ट्रोक, आकार, स्केल, और, कुछ मामलों में, प्रक्रिया स्वयं, जैसा कि एक्शन पेंटिंग.

सार कलाकार गैर-उद्देश्यपूर्ण और गैर-प्रतिनिधित्ववादी होने का प्रयास करते हैं, जिससे दर्शक अपने तरीके से प्रत्येक कलाकृति के अर्थ की व्याख्या कर सकते हैं। इस प्रकार, अमूर्त कला दुनिया का एक अतिरंजित या विकृत दृश्य नहीं है, जैसा कि हम पॉल सेज़ेन के क्यूबिस्ट चित्रों (1839-1906) में देखते हैं और पब्लो पिकासो (1881-1973), क्योंकि वे एक प्रकार का वैचारिक यथार्थवाद प्रस्तुत करते हैं। इसके बजाय, प्रपत्र और रंग टुकड़े का फोकस और विषय बन जाते हैं।

हालांकि कुछ लोग यह तर्क दे सकते हैं कि अमूर्त कला को प्रतिनिधित्ववादी कला के तकनीकी कौशल की आवश्यकता नहीं होती है, लेकिन अन्य अलग-अलग होते हैं। यह वास्तव में, आधुनिक कला में प्रमुख बहस में से एक बन गया है। रूसी सार कलाकार के रूप में वासिली कैंडिंस्की (१ (६६-१९ ४४) इसे डालें:

“सभी कलाओं में, अमूर्त पेंटिंग सबसे कठिन है। यह मांग करता है कि आप अच्छी तरह से आकर्षित करना जानते हैं, कि आपके पास रचना और रंगों के लिए एक संवेदनशीलता है, और आप एक सच्चे कवि हैं। यह आखिरी जरूरी है। ”

कला इतिहासकार आमतौर पर 20 वीं शताब्दी की शुरुआत को एक महत्वपूर्ण के रूप में पहचानते हैं अमूर्त कला के इतिहास में ऐतिहासिक क्षण. इस समय के दौरान, कलाकारों ने "शुद्ध कला" के रूप में परिभाषित करने के लिए काम किया: रचनात्मक कार्य जो दृश्य धारणाओं में नहीं थे, लेकिन कलाकार की कल्पना में। इस समयावधि की प्रभावशाली रचनाओं में 1909 में फ्रांसीसी एवांट-गार्डे कलाकार फ्रांसिस पिकाबिया (1879-1953) द्वारा निर्मित कैंडिंस्की की 1911 "पिक्चर विद ए सर्कल" और "कॉउटचौक" शामिल हैं।

अमूर्त कला की जड़ें, हालांकि, बहुत पीछे पता लगाया जा सकता है। 19 वीं शताब्दी जैसे आंदोलनों से जुड़े कलाकार प्रभाववाद और अभिव्यक्तिवाद इस विचार के साथ प्रयोग कर रहा था कि पेंटिंग भावना और विषय को पकड़ सकती है। यह बस प्रतीत होता है उद्देश्य दृश्य धारणा पर ध्यान केंद्रित करने की जरूरत नहीं है। इससे भी आगे जाकर, कई प्राचीन रॉक पेंटिंग, टेक्सटाइल पैटर्न और मिट्टी के बर्तनों के डिजाइन ने वस्तुओं को प्रस्तुत करने के प्रयास के बजाय एक प्रतीकात्मक वास्तविकता पर कब्जा कर लिया।

कैंडिंस्की को अक्सर सबसे प्रभावशाली सार कलाकारों में से एक माना जाता है। वर्षों से उनकी शैली का प्रतिनिधित्वात्मक से शुद्ध अमूर्त कला तक कैसे हुआ, इसका एक दृश्य सामान्य रूप से आंदोलन पर एक आकर्षक नज़र है। कैंडिंस्की खुद को यह समझाने में माहिर थे कि कैसे एक अमूर्त कलाकार रंग का उपयोग एक उचित अर्थहीन उद्देश्य देने के लिए कर सकता है।

कैंडिंस्की का मानना ​​था कि रंग भावनाओं को भड़काते हैं। लाल जीवंत और आत्मविश्वास था; हरी आंतरिक शक्ति के साथ शांतिपूर्ण था; नीला गहरा और अलौकिक था; पीला गर्म, रोमांचक, परेशान या पूरी तरह से बोनकर हो सकता है; और सफेद चुप लग रहा था लेकिन संभावनाओं से भरा हुआ। उन्होंने प्रत्येक रंग के साथ जाने के लिए इंस्ट्रूमेंट टोन भी दिए। लाल एक तुरही की तरह लग रहा था; हरी एक मध्यम स्थिति वायलिन की तरह लग रहा था; हल्की नीली बांसुरी की तरह लग रही थी; गहरे नीले रंग की आवाज़, सेलो की तरह, पीले रंग की तुरही की तरह लग रही थी; एक सुरीली धुन में विराम की तरह सफेद आवाज।

लगता है कि संगीत के लिए कैंडिंस्की की सराहना से ये समानताएं, विशेष रूप से समकालीन विनीज़ संगीतकार अर्नोल्ड स्कोनबर्ग (1874-1951) की रचनाएं हैं। कैंडिंस्की के शीर्षक अक्सर रचना या संगीत में रंगों का उल्लेख करते हैं, उदाहरण के लिए, "सुधार 28" और "रचना II।"

फ्रांसीसी कलाकार रॉबर्ट डेलुनाय (1885-1941) कैंडिंस्की के ब्लू राइडर के थे (डाय ब्लौ रीटर) समूह। उनकी पत्नी, रूसी मूल की सोनिया डेलुनाय-तुर्क (1885-1979) के साथ, वे दोनों अपने-अपने आंदोलन में अमूर्तन की ओर प्रवृत्त हुए, ऑर्फिज़्म या ऑर्फिक क्यूबिज़्म.

आज, "अमूर्त कला" अक्सर एक छत्र शब्द है जिसमें शैलियों और कला आंदोलनों की एक विस्तृत श्रृंखला शामिल है। इनमें शामिल हैं गैर-प्रस्तुति कला, गैर-विशिष्ट कला, अमूर्त अभिव्यक्ति, कला सूचना देनेवाला (जेस्चर आर्ट का एक रूप), और कुछ भी ऑप आर्ट (ऑप्टिकल आर्ट, कला का जिक्र जो ऑप्टिकल भ्रम का उपयोग करता है)। अमूर्त कला हो सकती है भावपूर्ण, ज्यामितीय, द्रव, या आलंकारिक-आसन्न चीजें जो दृश्य नहीं हैं जैसे कि भावना, ध्वनि, या आध्यात्मिकता।

जबकि हम अमूर्त कला को पेंटिंग और मूर्तिकला के साथ जोड़ते हैं, यह किसी भी दृश्य माध्यम पर लागू हो सकता है, जिसमें शामिल हैं संयोजन और फोटोग्राफी। फिर भी, यह चित्रकार हैं जो इस आंदोलन में सबसे अधिक ध्यान आकर्षित करते हैं। कई उल्लेखनीय कलाकार हैं जो विभिन्न दृष्टिकोणों का प्रतिनिधित्व करते हैं जो एक सार कला को ले सकते हैं और आधुनिक कला पर उनका काफी प्रभाव पड़ा है।

• कार्लो कारा (१ (best१-१९ ६६) एक इतालवी चित्रकार था जो फुतुरिज्म में अपने काम के लिए जाना जाता था, जो अमूर्त कला का एक रूप था जिसने २० वीं सदी की शुरुआत में ऊर्जा और तेजी से बदलती तकनीक पर जोर दिया था। अपने करियर के दौरान, उन्होंने क्यूबिज्म में काम किया के रूप में अच्छी तरह से और उनके चित्रों के कई वास्तविकता के सार थे। हालाँकि, उनका घोषणा पत्र, "पेंटिंग ऑफ साउंड्स, नॉइज़ एंड स्मेल्स" (1913) कई अमूर्त कलाकारों को प्रभावित किया। यह सिनेसिसिया के साथ उनके आकर्षण की व्याख्या करता है, एक संवेदी क्रॉसओवर, जिसमें, उदाहरण के लिए, एक "गंध" एक रंग है, जो कई सार कलाकृतियों के दिल में है।
• अम्बर्टो बोकोनि (1882-1916) एक अन्य इतालवी फ़्यूचरिस्ट था जो ज्यामितीय रूपों पर ध्यान केंद्रित करता था और क्यूबिज़्म से बहुत प्रभावित था। उनका काम अक्सर शारीरिक गति को दर्शाता है जैसा कि देखा गया है "स्टेट्स ऑफ माइंड" (1911). तीन चित्रों की यह श्रृंखला यात्रियों और ट्रेनों के भौतिक चित्रण के बजाय एक ट्रेन स्टेशन की गति और भावना को पकड़ती है।
• काज़िमिर मालेविच (1878-1935) एक रूसी चित्रकार था, जिसे कई लोग ज्यामितीय अमूर्त कला के अग्रणी के रूप में वर्णित करते हैं। उनकी सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक है "ब्लैक स्क्वायर" (1915). यह कला इतिहासकारों के लिए सरलीकृत लेकिन बिल्कुल आकर्षक है क्योंकि, टेट के उल्लेखों के विश्लेषण के रूप में, "यह पहली बार है जब किसी ने एक पेंटिंग बनाई जो किसी चीज़ की नहीं थी।"
• जैक्सन पोलक (1912-1956), एक अमेरिकी चित्रकार, को अक्सर आदर्श प्रतिनिधित्व के रूप में दिया जाता है अमूर्त अभिव्यंजनावाद, या एक्शन पेंटिंग। उसका काम कैनवास पर पेंट के ड्रिप और स्पलैश से अधिक है, लेकिन पूरी तरह से हावभाव और लयबद्ध और अक्सर बहुत गैर-पारंपरिक तकनीकों को नियोजित करता है। उदाहरण के लिए, "फुल फेथोम फाइव" (1947) कैनवास पर एक तेल बनाया जाता है, भाग में, टैक, सिक्के, सिगरेट, और बहुत कुछ के साथ। उनके कुछ काम, जैसे कि "वेट सेवेन सेवेन" (1945) विशाल हैं, चौड़ाई में आठ फीट से अधिक।
• मार्क रोथको (1903-1970) मालेविच के ज्यामितीय सार को रंग-क्षेत्र चित्रकला के साथ आधुनिकता के एक नए स्तर पर ले गए। यह अमेरिकी चित्रकार 1940 के दशक में उभरा और एक विषय पर सरलीकृत रंग को अपने आप में, अगली पीढ़ी के लिए अमूर्त कला को फिर से परिभाषित किया। उनकी पेंटिंग, जैसे कि "फोर डार्क इन रेड" (1958) तथा "ऑरेंज, रेड, एंड येलो" (1961), अपनी शैली के लिए उतने ही उल्लेखनीय हैं जितने कि वे अपने बड़े आकार के लिए।